Revisionando el 2019, ¿un buen final para la década?

¡Hola!

¡Felices fiestas amigos! ¡Y próspero año nuevo! Lo digo ahora, no vaya a ser que cuando acabe el post se me olvide. Y es que hoy vamos a hablar precisamente de eso, del año nuevo. Bueno, del año viejo, es decir, este... En fin, que vamos a hacer un repaso al año pero, por supuesto, cinematograficamente hablando: primero, voy a citar a grandes rasgos el total de películas y otro material audiovisual que he visto este año, pero fuera del cine. Luego, comentaré algunas series, cortometrajes y películas de este año que he visto, más aquellas que me he quedado por visionar, para acabar con un top de las películas que he visto en el cine este año. Ah, y antes de irme, algunas puntualizaciones de lo que ver el año que viene... 

¡Empecemos! ;) 

Bien, según mis cálculos en torno a los votos que he puesto este año en mi cuenta de Filmaffinity (que todos podeís consultar) he visto unas 160 producciones audiovisuales... películas, cortos, series, algunas ya visionadas pero que no había puesto nota, otras nuevas, alguna nota cambiada ¡de todo un poco! Pero, ¿cuáles son las películas que he visto este año (de años anteriores) que mejor he valorado? Bueno, sin querer hacer un top, citaré algunas, como "Prisioners" (2013, Denis Villeneuve), "Catch Me If You Can" (2002, Steven Spielberg), "Barton Fink" (1991, Hermanos Coen), "Strangers in a train" (1951, Alfred Hitchcock) y otras tantas... Pero sobretodas ellas, quiero destacar una que ya se ha asegurado un lugar especial entre mis películas favoritas: la excelente "Twelve Angry Men" (1957) de Sidney Lumet. Una de las mejores películas que he visto nunca.

¿Y de este año? ¿Que he visto? Bueno, he visto varias películas que no tuve oportunidad de ver en el cine durante estos 365 días... y menos mal. Casi que me da vergüenza admitir haber visto las siguientes obras, pero todo cinéfilo que se precie no vive solo de cine culto, y a veces un rato de tontería es necesario para afinar el espíritu crítico. Estas películas son "Perdiendo el Este" de Paco Caballero; "Lo dejo cuando quiera" de Carlos Theron, con la que tenía unas mínimas expectativas por la actuación de mi querido Ernesto Sevilla y "Dumbo" de Tim Burton que no está mal, pero deja bastante que desear (por lo menos la apruebo con un seis). Pero ninguna de todas estás películas ganan a la que para mí es el fiasco del año: "Glass" de Shyamalan, absolutamente decepcionante y un declive brutal de la supuesta trilogía que hace con "Split" (2015) y "Unbreakable" (2000). Shyamalan, te has marcado la peor película del año. Confiaba en tí...

Otros productos que he consumido este año han sido varios cortometrajes y algunas series, la mayoría españolas: la segunda temporada de "Capítulo Cero", que se queda lejos de la primera temporada pero igualmente no está nada mal; "Matadero", una excelente comedia negra con tintes de thriller a la que apruebo considerablemente con un ocho, y de la misma cadena el drama "45 revoluciones" que lo único bueno que saco es a mi amado Pere Ponce. Pero si ha habido una reina indiscutible entre las series de este año es la espectacular "Chernobyl". Posiblemente lo mejor de la televisión en mucho tiempo, ¡Mis nueves a semejante obra maestra!

Y ahora, queridos lectores, el esperado momento... siete han sido las películas que he visto en la gran pantalla este año, ¿cuál será (bajo mi humilde opinión? la mejor película del año? Si entendemos por año de películas a las únicas películas que he podido ver en el cine. Y es que, me he quedado con ganas de poder contemplar "Dolor y Gloria", "Parasites", "The Irishman", "Marriage Story" y "Mientras dure la guerra", pero bueno, ¡Tiempo habrá para verlas todas! Sin más dilación, he aquí mi "top 7":

7

HOW TO TRAIN YOUR DRAGON Dean DeBlois

Jamás vuelvo a ver una película de animación en grupo. Pero jamás de los jamases vuelvo a ver la saga de "Como entrenar a tu dragón". Por favor, se que las películas para niños pueden permitirse licencias de sentido común, pero esto es pasarse. Muy mala.

6

TOY STORY 4 Josh Cooley

Claro ejemplo de cuando una película resulta innecesaria pero queda bien, que no quita que siga siendo innecesaria. El precioso final de la tercera entrega no demandaba una cuarta (ni siquiera una serie de cortos medianamente aceptables) aún así, esta cuarta entrega es bonita, muy disfrutable y simpática. Considero el argumento su principal fallo, pues la película te deja con la sensación de haber visto un corto algo más largo pero no el haber visionado una película en su totalidad. Buena.

5

AD ASTRA James Gray

Mucha gente me matará por mi opinión ante semejante clickbait espacial, pero a mí sí me gustó. Me gustó porque, a parte de sus espectaculares efectos, vuelve a demostrar que Brad Pitt es el mejor actor de nuestros tiempos. Imposible resistirse a semejante actuación, que muy posiblemente la arrastrará el olvido. Al igual que "Toy Story 4" esta película falla en su argumento, completamente desestructurado y que no se sostiene pero... ¿A quién le importa con semejante actuación? Buena.

4

THE MULE Clint Eastwood

Sí, se que es una película del 2018, pero aquí en España se estrenó en marzo de este año. "The Mule" es la historia de un hombre sin más, que arrepentido de su pasado decide finalizar su vida dándole un sentido a esta. Un cuento muy sencillo y conmovedor del abuelo Clint que resulta una obra llana y redonda. Notable.

3

GOOD BOYS Gene Stupnitsky

Una oda a la amistad, al crecer, al amor y a la adolescencia. Una comedia brutal, de aspecto técnico sencillo, pero con chistes efectivos de los que es imposible no desternillarse. Muy recomendable verla con amigos. Nada que envidiar a otras películas de su estilo, lógicamente, sus fallos son algunos chistes previsibles y que no todo el mundo verá el trasfondo de la cinta, pero por lo menos te vas a reir un buen rato. Notable.

2

ONCE UPON A TIME IN HOLLYWOOD Quentin Tarantino

He hablado muchísimo de esta película en el blog, pero no me canso de admirar el trabajo de historiador, purista y artista que ejerce Tarantino al dirigir semejante oda al cine, y a la vez, crítico con los caminos que está tomando la industria cinematográfica. Una lástima que el guión quede muy por debajo del aspecto visual de la cinta, y que no logre explotar a DiCaprio y Pitt como hizo años atrás. Aún así, no me sorprendería que se hiciese con varios premios, como el de montaje, diseño de producción, actor secundario (para Pitt) o incluso director, ¡ojalá!. Muy buena.

1

JOKER Todd Phillips

Sí. Me parece que cuenta una historia ya muy trillada, algo muy simple, algo que ya hizo Scorserse con "Taxi Driver", sí, algo muy visto, pero no pienso que esté sobrevalorada. Creo que Joker es con diferencia la película del año. Es una obra tan humana como fantasiosa, capaz de, con un personaje tremendamente conocido, contar una realidad muy dada de lado como lo es la soledad, el desamparo, los problemas de salud, y sobretodo el caos que reina en el mundo. Creo que Joker es una revolución tanto social como cinematográfica, e indudablemente es una de las películas de la saga y la película del año. No me cabe ninguna duda.

Espero que, para el año que viene, pueda ver mínimo 10 películas en el cine para por lo menos hacer un top 10 en condiciones jaja. Tengo mucahs ganas de "Richard Jewell" (otra vez Clint),"The Lighthouse" (Robert Eggers), "Jo Jo Rabbit" (Taika Waititi)  y por supuesto, el ¿remake? ¿tercera parte? de los Cazafantasmas.

Ah, y otra vez, ¡Feliz año!

ERB primera temporada: Duelos americanizados y decepción visual

¡Hola!

Hum, mucho he citado a ERB en este blog, fruto de la admiración que siento por ellos, pero nunca me he parado a investigar y criticar un poco sus vídeos y canciones. Si bien es cierto que sería imposible hacer una crítica con peso de los 77 episodios (hasta la fecha) si que podría hacerlo con cada temporada, teniendo en cuenta que únicamente son 5 completas y una en desarrollo. Así qué, como estar en un bachiller de letras no me da el suficiente trabajo, me apunto este nuevo desafio.

Obivamente voy a empezar ya, así que coged palomitas y sentaros, porque tenemos chicha que coger:

Para empezar, ¿qué es ERB?, bien las ERB (Epic Rap Battles of History) son una serie de vídeoclips o de serie web que se transmite en internet desde 2010; en ellas, dos personajes, dos parejas, o dos grupos (a veces con la intervención de terceros, cuartos o incluso quintos) se baten en un duelo de rap, o una batalla de gallos (usesé el término preferible). Estos personajes bien son históricos, ficticios o de la cultura popular, pero siempre tienen una relación entre ellos de la que nacen las líneas de la batalla.

Para comprender el origen de ERB debemos retrocedernos a 2010: tenemos a dos personas claves, de profesión humorisitas y cantantes, de origen estadounidenses; Peter Shukoff y Lloyd Ahlquist, es a este segundo al que debemos la idea de las ERB, pues, durante un show improvisado en Los Ángeles, se le ocurrió pedir al público dos personajes aleatorios para rapear (Michael J. Fox vs Chuky); aunque la idea funcionó aquella vez, era dificíl transmitirla unicamente en shows directos, por lo que decidieron trabajar esa idea en Youtube, concretamente en el canal de Peter, conocido como "NicePeter". Pidieron entonces ayuda a un tercero en esta historia, el también cantante Zach Sherwin, y entre los tres sumaron un total de 50 $ para cada una de las tres primeras batallas.

La primera batalla "oficial" se sube el 26 de septiembre de 2010 al canal ya citado; "John Lennon vs Bill O´Reilly" y aunque la batalla es un éxito fue su sucesora la que marcó el afortunado destino del canal: "Adolf Hitler vs Darth Vader" fue un éxito absoluto, contando a día de hoy con 101 millones de visitas (y que conste que no será la batalla más visionada del canal).

Bien, ya que hemos citado esas dos batallas y teniendo en cuenta que fueron el origen de ERB podemos darnos el gusto de comentarlas por encima e ir uniendo lazos con la temporada: para empezar, la imagen de la primera batalla es la única que no se halla a máxima resolución a día de hoy (1080 px) y tampoco tiene subtítulos, una costumbre que se iniciará a partir de la siguiente batalla. En cuanto a la imagen, la primera temporada tiene la peor calidad, en base a la época en la que se rodaron las batallas y el bajo presupuesto. Las limitaciones de la cámara son un problema tanto en la calidad como en el movimiento de esta (las siguientes temporadas cuentan con rodajes en movimiento y mucha más calidad). También existen ciertas limitaciones auditivas, especialmente con el sonido de los personajes, que, para mi gusto, resulta muy chillón en ocasiones, y las bases agresivas y ruidosas no ayudan demasiado. Esta costumbre también se mejoraría con el tiempo. En definitiva, estamos ante una temporada muy pobre audiovisualmente hablando, fruto de la inexperiencia y la juventud de la idea.

Hablando de audiovisual, también es muy criticable el uso del chroma y de los efectos especiales: es obvio que, para una compañia pequeña de la época, los efectos no iban a ser dignos de Hollywood, pero estoy seguro de que podría haber hecho algo mejor; hay algunos efectos muy baratos (Chuck Norris saliendo de un montón de monedas) y practicamente todas las batallas de esta temporada cuentan con fondos lisos o de mala calidad cuando los personajes rapean, sin ir más lejos, podemos comparar el montaje realizado en su día para el vídeo "Hulk Hogan and Macho Man vs Kim Jong-il" con el que hizo hace unos meses el editor de ERB Javi Sanchéz Blanco (videos abajo) También hay que felicitarles y a que, a partir de los episodios 10 u 11 el diseño audivisual está mucho mejor conseguido, pero sigue dejando algo que desear. En este punto quisiera recalcar el diseño de "Mr. T vs Mr. Rogers", que me parece el más conseguido de la temporada.

  

Bien, ahora que ya hemos citado algunas batallas podemos centrarnos en los personajes: ya hemos establecido cierta división entr históricos (como Adolf Hitler), ficticios (como Darth Vader) o de la cultura popular (como Chuck Norris); obviamente es muy subjetivo, pero nos va a ayudar a entender mejor el concepto de las batallas de esta temporada: contamos con 13 personajes propiamente hstóricos (3 estadounidenses), 9 ficticios (7 de ideas estadounidenses) y 11 de la cultura popular, de los que TODOS son de origen estadounidense. Estamos entonces ante una temporada con un marcado nacionalismo. No es criticable, pues la idea nace de cara al mercado estadounidense, y cómo tal, usan personajes reconocidos por el público de su tierra.
Prueba de que la temporada es puramente nacionalista es que todos los capitulos cuentan con un personaje estadounidense, a excepción de "Dumbledores VS Gandalf", ya que ambos son personajes nacidos de la pluma de escritores ingleses.
Del hecho de que sean batallas con amplio caracter nacionalista se usa en muchas ocasiones a un personaje propio del país para derrotar a un enemigo del estado, véase la humillación de Vader a Hitler, o la de los pesos pesados a Kim Jong Il, o incluso con personajes no agresivos, como el uso de los caracteres del Dr. Seuss contra Shakespeare. Pero, sorprendentemente también funciona al contrario: se usan figuras admiradas por la historia en gneral (como Lennon o Bethoveen) para ridiculizar figuras contemporáneas muy odiadas (Bill O´Reilly o Justin Biber) y en otras ocasiones, el espectador debe decidir que figura nacional gana, por ejemplo, entre Ben Franklin (un apdre fundador) o Billy Mays, un muy querido vendedor de teletienda. Entonces ERB, ¿influye o no en la visión de un personaje? Obviamente sí, ERB influye pero solo lo hace a raíz de un sentimiento ya introducido en el público general, y desde un punto de vista meramente humorístico y simpático.
Todas estas cuestiones en referencia a la nacionalidad o al juego de elección se verán diluidas en las siguientes temporadas, fruto del éxito mundial de ERB.

En cuanto a los patrones que se van a repetir, en esta temporada nace el duelo a 3 (en dos ocasiones lo vemos) y también el uso constante de cameos y figuras adicionales para reforzar la batalla. Ya aparecen algunos actores que serán invitados en más de una ocasión: George Watsky, Destorm Power y Zach Sherwin. Tambiñen aparecen por primera vez algunos personajes que más tarde volverán a rapear, como Lincoln.

En esta temporada raramente una batalla supera los dos minutos de duración, costumbre que por fortuna se rectificará en adelante.

Y para finalizar, voy a considerar las batallas más importantes de la temporada: las dos primeras, obivamente; "Lady Gga vs Sarah Palin" porque aparecen raperas por primera vez, el "Hulk Hogan & Macho Man vs Kim Jong-IL" por dar origen al duelo a tres, el "Mr. T vs Mr. Rogers" por su buena edición y una mención a Napoleón y su homonimo, ya que es mi duelo favorito de la temporada:

Y con esto acabamos por hoy; en unas semanas os traeré un nuevo análisis, y cronológicamente, de la segunda temporada.
Recordar que podeís ver todas los capítulos en Youtube desde una lista de reproducción en el canal de ERB o directamente desde el canal de NicePeter.

¡Nos veremos pronto!

Pibón del Barroco

Las mejores películas que he visto este verano

¡Hola!

Se acaba el verano y muchos de nosotros retomamos la rutina... Pero antes, nos gusta hacer un pequeño análisis o resumen de el periodo estival. Que mejor manera que hablando de cine, y es que el verano es tiempo de ver películas: verlas con la familia, tú solo, con amigos o en el mismo cine. Y aunque he visto toneladas de proyecciones estos meses (de forma casera), muchas de ellas han sido revisionados (todas las de Tarantino, "The Schindler List" (Steven Spielberg, 1993), "Superbad" (Greg LaMotta) y otras) otras han sido absolutos truños ("Intolerable Cruelty" de los Coen), algunas han estado bien pero ahí se han quedado ("Toy Story 4") y alguna serie, como la magistral "Chernobyl" aquí solo hay hueco para diez películas, que probablemente vuelva a ver el próximo verano. Así que, a toda máquina y ahí van las mejores películas que he visto este verano:

10

  LA SAGA DE HARRY POTTER (2001-2011, Chris Columbus, Alfonso Cuarón, Mike Newell y David Yates)

Bueno, quién dice 10 dice 18... ¡No me juzgueís, es que desde que he leído los libros me apasiona la vida del joven mago y sus amigos! Y aunque las películas dejan algo que desear al respecto, son una fuente inagotable de entretenimiento con base en bestias increíbles, hechizos increíbles, personajes increíbles... ¡Si es que es todo increíble! Menos la cuarta parte claro. Para mi gusto, amo la segunda película (y a Lockhart, por supuesto).

9

AUSTIN POWERS: INTERNATIONAL MAN OF MISTERY (1997, Jay Roach)

¿Películas chorras? Esta gana por goleada y a falta de ver sus dos secuelas he de decir que me ha encantado: risas incontrolables con un guión loquísimo y una nada despreciable dirección. Mike Myers ha hecho historia de lo absurdo y la comedia. Y no entró en el top de mis comedias favoritas por poco.

8

THE PATRIOR (2000, Roland Emmerich)

La historia no será la mejor y de Gibson bueno, no hay que decir mucho, pero hay que admitir que la recreación histórica y lo que desprende esta cinta te dan ganas de ser estadounidense, todo un amor a la patria. Y como he dicho, nada deleznable la recreación histórica, muy fiel, así como las batallas representadas. Todo un acierto por parte del fallido Emmerich.

7

ISLE OF DOGS (2018, Wes Anderson)

¿Amo a Wes Anderson? Sí ¿Amo el Stop Mottion? Sí ¿Amo esta película? Pues claro. Una odisea que vibra entre la emoción y los sentimientos que manifestamos a nuestros más fieles amigos: los perros. Sin errores, Anderson vuelve a hacer gala de lo mejor que tiene y lo empeña en la animación Stop Mottion, tan brillante que considero arte. Un bravo por esta película.

6

GOOD BOYS (2019, Gene Stupnitsky)

Los Supersalidos más jóvenes y rebeldes de esta década nos dan una serie de lecciones y valores díficiles de encontrar en otra comedia de este calibre. El humor más burlón te hará saltar en la butaca y las aventuras de estos tres jovenzuelos te transportaran a tu juventud. Y si quereís más, he ahí mi crítica en Filmaffinity:  https://www.filmaffinity.com/es/user/rating/1831610/492753.html .

5

BAD TIMES AT THE ROYAL (2018, Drew Goddard)

El gran descubrimiento de este verano y lo más cercano a los Hermanos Coen que he visto (más incluso que, si, "Intolerable Cruelty"). Un thriller con ritmo y sentido con una oleada de personajes que aparecen y reaparecen. Una odisea de colores y música que nos reemite a una fusión entre Kubrick y Anderson. Muy aceptable y una película muy desconocida. Mis aplausos para Drew Goddard.

 4

MATAR A DIOS (2017, Caye Casas y Albert Pintó)

Descubrimiento similar al anterior pero con un toque más Tarantiniano. Un guión espectacular compuesto enteramente por diálogos ágiles y coherentes que nos ofrecen una visión de lo peor del ser humano. Una fábula que nos transmite aquello más oscuro de la humanidad en una rocambolesca casa en el campo con la premisa de la elección de unos pocos será el destino de todos. Y a todo esto Emilio Gavira, eres un crack.

3

BARTON FINK (1991, Hermanos Coen)

Poco a poco completo mi lista de "Coenadianas" y esta obra ya es de mis favoritas: una situación tan tensa que explota a mitad de la obra y nos otorga un inesperado e incógnito desenlace. De trasfondo el drama que viven muchos guionistas y porqué no, creadores en general. Dicho esto, cabe destacar que es la única película de la historia en ganar los tres premios principales del Festival de Cannes. Una insólita obra maestra a la altura de "No Country For Old Men" no apta para todos.

2

 PRISIONERS (2013, Denis Villenueve)

Denis Villenueve es tan detestable como fascinante pero hay que admitir que esta obra es magnífica y eso que esperaba bastante: mis expectativas cumplidas completamente. Una desaparición que va encerrando a sus protagonistas poco a poco hasta límites insospechables. Aunque es un film enigmático, es totalmente disfrutable, no como otras obras del canadiense, que exigen un mínimo de matrículas y carreras universitarias para comprenderlas. Es un film admirable.

1

ONCE UPON A TIME IN... HOLLYWOOD (2019, Quentin Tarantino)

No será mi película favorita de mi querido QT pero es tan insólita en su filmografía como bella por si misma. Tiene tantos puntos que me disgustan como puntos que amo, pero no cabe duda de que ha ejercido un papel esencial en mi verano. Y cuando me pregunten en treinta años que película simboliza para mí el verano contestaré con Érase una vez en... Hollywood.

Y con esto queda todo por hoy. Me voy a descansar que llevo un catarro de aupa. Y bueno, feliz retorno a clases o al trabajo y todo eso... 

Un saludo

Pibón del Barroco 

Mis 10 comedias favoritas

¡Hola!

La comedia. Que tan maravilloso género, ¿Quién no disfruta desconectando un rato la mente y riendo por todo lo alto con diálogos cargados de nerviosismo, situaciones incoherentes y personajes absurdos?. Poco valorada por la crítica especializada, la comedia está tan ligada a la historia y al propio ser humano como la vida misma. El nacimiento de la comedia fue fruto del teatro, y hasta día de hoy el género parece inagotable. Por eso hoy, en honor a tan desternillante obra de arte, os traigo una lista con mis comedias favoritas. Huelga decir que he evitado introducir películas como "La vita e bella" (1997) o "Back to the future" (1985) porque si bien contienen tintes de comedia, son mayoritariamente películas de otros géneros. Tampoco habrá obras de comedia negra pues se las asocia mayoritariamente con el thriller y el crimen, así que olvidemonos por un momento de Tarantino. Con todo, he aquí mis diez películas cómicas favoritas:

10

  LOS PALOMOS (1964, Fernando Fernán Gómez)

Agudísima comedia surrealista para nuestro tiempo, y posiblemente punto álgido de la comedia negra en su día; el matrimonio Palomo es invitado por el jefe de él, Don Alberto, a una cena, con el propósito de inculparles en un asesinato. Puede que no haya trascendido con el paso de los años, pero este film basado en la obra de teatro de Alfonso Paso (como bien nació la comedio) si se mira con los ojos del pasado supone una total catarata de risas en lo referente a la trama, las situaciones y por suspuesto, todo lo Lopez Vazquiano que desprende la cinta.

9

EL MILAGRO DE P. TINTO (1998, Javier Fesser)

Y como sé que esta película es odiada más que amada, prefiero dejarla al final del top para evitar malentendidos entre mis lectores: la surrealista historia de un matrimonio que nunca pudo tener hijos se ve irrumpida por la llegada de un gigante bonachón escapado de un hospital pisquiátrico, y qué, con ayuda de dos marcianos, intentará viajar al pasado para salvar a su madre. Y cómo nos lo demostró el año pasado, Javier Fesser es capaz de seguir haciendo grandes películas, como la "Goyesca" (en referencia al premio) "Campeones" (2018), otra oda al humor simpático y bonachón.

8

SUPERBAD (2007, Greg Mottola)

Fórmula infalible desde entonces, la historia de dos adolescentes absurdos es ya un tópico del cine y esta su obra cumbre. Para finalizar el insituto, Seth y Evan tienen la misión de conseguir alcohol para una fiesta: McLovin, polícias incopetentes, mujeres y sobretodo intentos frustrados de sexo es lo que mueven la historia de nuestros dos incopetentes héroes. Su "sucesora", Good´s Boy´s no es menos que esta y bien podría formar parte de otro top de grandes comedias.

7

THE GOLD RUSH (1925, Charles Chaplin)

El lenguaje universal es la falta de este, por lo que todo aficionado al cine debería tener una película muda en su lista de comedias favoritas. Aquí no encontrarás ni diálogos ni sexo ni drogas, pero si golpes, caídas y un sinfín de simpáticas situaciones protagonizadas por el inmortal Charles Chaplin, ¡Qué hermoso fue (y es) el cine! 

Y viendo donde coloco a esta película respecto a las siguientes, parece que mi Top Mis 10 películas favoritas PARTE II va a requerir algún ajuste... ya veremos...

6

SAGA THE HANGOVER (2009, 2011 y 2013, Todd Phillips)

Tres películas desternillantes, cada una va más allá, y cada una es mejor que la otra aún siendo las tres magníficas. Imposible elegir una aunque su patrón se repita: borracheras incontrolables, animales salvajes, personas desaparecidas, heridas, drogas y un chino esquizofrénico. Las risas son incontrolables con las secuencias que protagonizan los tres personajes principales en busca de la verdad.

5

THE WOLF OF WALL STREET (2013, Martin Scorsese)

Entramos en una fase arriesgada y que mejor que con la brutal apuesta cómica de Scorsese: "The Wolf of Wall Street" (2013) es la brutal historia de un estafador tan descarado como Jordan Belfort, y aunque DiCaprio se encasilla demasiado en personajes excéntricos es imposible no admirarlo cuando se enfunda ese carísimo traje (papel por el que merecía más el Óscar© que por "The Revenant" (2015)). Y para redondearlo todo, un Jonah Hill espectacular. Como me gusta ese tío.

4

 SAGA HAROLD & KUMAR (2004, 2008 y 2011, Danny Leiner,

Jon Hurwitz, Hayden Schlossberg y
Todd Strauss-Schulson)

  

¿Que clase de odisea puede desarrollar la búsqueda de una hamburguesería? Una que dura tres películas y no decae en ningún momento: las desventuras que sufrieron un chino y un indio en Estados Unidos por el mero hecho de querer cenar unas hamburguesas han traspasado los años y aunque jamás hayas visto la película sabes que existe y que aquí se llama "Dos colgaos muy fumaos", un título aunque no acertado si llamativo desde luego.

3

SAGA TORRENTE  (1998, 2001, 2005, 2011 y 2014, Santiago Segura)

Puede que no te guste, que te de asco o incluso que lo odies, pero Santiago Segura ha hecho historia del cine con su personaje Torrente que incluso Oliver Stone quiso adaptar en Estados Unidos con Robert De Niro en el papel principal. José Luis Torrente es el héroe que nadie necesita pero todos queremos. Aunque su saga ha tenido altibajos, es imposible negar que su última película recuperó lo mejor del origen de este singular polícia. Por suerte, Santiago Segura ha confirmado que tiene planes para un "Torrente 6" y ojalá sea verdad porqué... cinco películas, me parecen pocas la verdad. ¡Amén y larga vida a José Luis Torrente!

2

THE BIG LEWOBSKI (1998, Hermanos Coen)

Otro film amado y odiado a parte iguales. Algunos no le ven la gracia, pero simplemente con los elaboradísimos personajes desarrollados por los Hermanos Coen y encarndos por Bridges, Goodman y el resto del elenco te desternillas. Un trasfondo criminal y una estética que ha marcado desde su estreno, el personaje de esta cinta ha sido figura central de festivales de cine en su honor, reuniones y asambles, una filosofía de vida e incluso ropa. Lebowski es parte de lo mejor del cine de comedia y merece ser recordado como uno de sus mejores referentes.

1

 MONTY PYTHON´S LIFE OF BRIAN (1979, Los Monty Python)

El que me conozca sabrá lo que me fastidia poner a unos ingleses en primer puesto, pero es que ellos podrían ocupar toda la lista con su obra, aunque indudablemente solo una el primer puesto y ese es totalmente merecido por la inmejorable "Life of Brian" (1979), una comedia inmortal que desde su primer momento supuso un antes y un después: el surrealismo, el humor y la crítica con el que tocan el origen del Cristianismo es simplemente espectacular, y cualquiera diría que esta película pudo haberse quedado a muy poco de ser un total estropicio, pero sin lugar a dudas se conviritió en una obra maestra de absoluto culto. Desde aquí, mi eterno amor y agradecimiento a los Monty Phyton. Esto es comedia señores, y lo demás, tonterías.

Y con esto nos despedimos por hoy queridos amigos. Lo mismo me animo a repetir esto con otros géneros cinematográficos. No sé, lo pensaré. Por el momento podeís echaros unas risas viendo estas películas o si no, compartiendo este post. Pronto nos volveremos a ver.

Un saludo.

Pibón del Barroco.

(SPOILERS) Once Upon a Time in... Hollywood: La magia del cine

ADVERTENCIA: Plagado de spoilers. Estrenaron ayer la película, por lo que mucha gente puede que no la haya visto todavía. Abstenerse a leer la crítica entonces.

 

Once Upon a Time in... Hollywood: La magia del cine

Tras unos tres años y medio nos ha llegado por fin la nueva cinta de Quentin Tarantino: una película que funciona más bien como un trabajo de homenaje que como una historia. La clara demostración de que estamos ante el mejor director de la historia. Una cinta ágil, entretenida y visualmente espectacular. Peca la falta de "Tarantinismo", por lo que se convierte en su película más distante, personal y comercial. Sin embargo, es una puerta a la esperanza y a la gloria. Todo es posible... en la ciudad de las ilusiones.

El proyecto de "Once Upon a Time in Hollywood" nace a mediados del año 2017, cuando Quentin confiesa estar escribiendo un guión basado en los crímenes de la familia Manson (una secta hippie y psicópata que causo furor en los años 70 de EEUU). Poco a poco, el proyecto va recopilando nombres, entre los que figuran los de sus protagonistas: Leonardo DiCaprio y Brad Pitt. El primero, llevaba 4 años sin rodar una película desde que le concedieron el óscar por su sobrevalorada actuación en "The Revenant" (2015), mientras que el segundo ha rodado un par de películas, un documental y algún cameo en una famosa cinta sobre un superhéroe torrentino. Bastante más ocupado y bastante mejor actor que DiCaprio, en mi opinión. El reparto se fue completando poco a poco con los actores Timothy Olyphant, Damian Lewis, el tristemente fallecido Luke Perry, Dakota Fanning y otros que no hacen más que meros cameos en la película. El plato fuerte son Margott Robbie en una acertada y silenciosa Sharon Tate y Al Pacino como promotor de la carrera del personaje de DiCaprio.

De la filmografía recurrente de Quentin repiten en simpáticos cameos Kurt Russell (que hace las veces de narrador), Zoë Bell, Michael Madsen y Tim Roth, aunque su participación finalmente fue cortada.

La cinta comenzó a rodarse el verano pasado y desde entonces ha sido objeto de un boom promocinal por parte de la productora y los actores. Una sola foto en instagram y DiCaprio se llevó más de dos millones doscientos mil "likes":

La película tiene mucho para desarrollar, aunque diré que solo la he visto una vez, así que os hablaré desde una primera impresión. Confió hacer un visionado más en el cine antes de que salga en DvD (navidades, claro):
Nadie en su sano juicio diría que estos dos actores se parecen. Quentin sí. Además, que uno es actor  y otro su doble. Y con esa premisa arranca la película: Rick Dalton (Leonardo) en un actor de televisión que busca algo más allá, pero su única expectactiva es rodar coproducciones italo-americanas en Italia. Por su parte, Cliff Booth (Brad) es un doble y especialista de acción, que ante la falta de trabajo le hace las chapuzas caseras a Rick y cobra por ello. Juntos o separados, se mueven por el tumultuoso Hollywood de 1969, ante la atenta mirada de despóticos directores de cine, millonarios egocéntricos y hippies piscópatas. 

He ahí la premisa del film, como siempre, simple. El caso es que a diferencia de sus otras películas, la premisa del film y todo su desarrollo es, simple, sencillo, al más puro "Django Unchained" (2012) pero con unos resultados espectaculares (ahora comentaremos).

La película se divide en dos partes totalmente independientes y ágiles, entretenidas y al estilo "Reservoir Dogs" (1992) pues incluyen flashbacks, pequeñas historias y saltos temporales mínimos. Olvidemonos del Tarantino que que fragmentaba sus obras hasta el máximo.

La primera parte y la de mayor duración (unas dos horas) nos presenta al dúo, una noche, que ambos entran a un garito para que Rick se entreviste con el productor que interpreta Al Pacino. Tras ello y un viaje en coche, la película nos muestra a ambos realizando sus habituales tareas nocturnas (unos whiskys o unos macarrones, adivinad quién toma el qué) en una escena en la que podemos denotar un guiño a "The Hateful Eight" (2015). Ya, al día siguiente, a pesar de que sus vidas están enlazadas, no volverán a verse las caras hasta que finalize la velada, cuando ambos visionaran "F.B.I" en casa de Rick.

Durante este primer tramo del filme pasan muchas cosas y nos damos cuenta de otras tantas: la película es una auténtica delicia visual, en la que apreciamos el Hollywood de 1969 en todas sus formas (hogares, decorados de cine, la ciudad, los coches...). Diseño de producción: 10. Es durante esta parte que se desarrollan dos historias que eclosionaran en la segunda parte de la película.

Por un lado, la carrera de Rick, que va tomando forma, con la interpretación de un villano en un film del western. Aquí presentes las actuaciones de Timothy Olyphan y Luke Perry, el segundo, en un minúsculo papel que parece insultante a su memoria. Ellos dos sin embargo, solo forman del contexto cultural-cinematográfico en el que se mueve el personaje de DiCaprio, por lo que, viendolo bien, aunque ridiculas, sus participaciones son justas y esenciales para entender el desarrollo de la capacidad actoral de Rick. Por la otra cara de la moneda, Cliff, después de una chapucilla en casa de Rick, da una vuelta con su coche y recoge a una hippie que lleva al rancho Spahn.

Antes de hablar de esa secuencia, quisiera detenerme en otra que me ha parecido una verdadera joya y lo más Tarantiniano de la cinta: la pelea contra Bruce Lee y la discusión con el personaje de Russell y Bell. Desternillante. Veanla, por favor.

La secuencia en el rancho es tal vez de lo mejor que ha rodado Quentin (junto a la pelea de los 88 maniácos y la escena de la cabaña con Landa): se respira terror. Pavor. Miedo absoluto ante lo que se encontrará el personaje de Pitt en la casucha donde se debe hallar el viejo Spahn. El conjunto sectario que forman los hippies es terrorífico, hasta que por fin, Pitt se lia a ostias. Olé sus cojones, en otra secuencia puramente Tarantinesca.

Ahora, la segunda parte y desenlace de la anterior: tras unos seis meses rodando películas en Italia (y en Almería), Rick y Cliff vuelven a Hollywood, a pasar una última noche de borrachera antes de que Rick despida a Cliff por exigencias de su esposa. Por la noche y mientras Cliff saca a su perra a pasear mientras se fuma un cigarrillo bañado en ácido (que nos dejará un Brad Pitt magistral), Rick amenaza a unos hippies que no son ni más ni menos que miembros de la manada de Manson y se dirigen a casa de Sharon Tate.

Obviamente, no acaban en esa casa y se meten en la de Rick, donde Cliff, con una lata en la mano y un silbido a su perra, se carga a dos de ellos en la única escena violenta de la película, ¡pero que escena!, después de que una huya y caiga en la piscina, Rick se apresura a por su lanzallamas y... Bueno, el cine hace su trabajo. Puro Tarantino en esta escena, mezcla de violencia y humor completamente loco, con unas líneas de díalogo articuladas por unas gesticulaciones majestuosas de ambos protagonistas.

Y el film acaba como todos queremos que acabe: Rick conociendo a Sharon Tate.

Aunque no lo parezca, hay dos figuras muy importantes en la película que apenas se las ve: la primera, la de Sharon Tate, cuyas mayores participaciones se ejecutan en un cine y en una serie de escenas sin diálogo: un homenaje a la actriz como pocos sabrian hacer. Y como bien me han dicho hoy, Tarantino la recuerda no por lo que la pasó, sino por lo que hizo. 

La otra figura es Charles Manson: todos esperabamos verle, dirigir la secta, liarse a los puños con Brad Pitt... Pero aparece conduciendo una furgoneta de helados y preguntando por unos viejos amigos. Si no te lo dicen, no piensas que es Manson
. 

La película, como he dicho antes, es el film más diferente de Tarantino: no hay largas conversaciones sobre temas mundanos, no hay una violencia exagerada y sumamente cómica (cómica sí, pero exagerada no), no hay personajes obscenos... Es un culto al cine. Presenta a una pareja protagonista normal, común en el mundo del celuloide. Nos muestra a actores y directores como tal, los problemas de la escalada en el cine. Puede que, con "Jackie Brown" (1997) y "Death Proof" (2007) esta película cierre una trilogía de homenaje a lo extinto (el blaxpoitation, la serie Z y la edad de oro del cine) con la diferencia de que es una obra mucho mejor y más hermosa.

La película a pesar de su falta de Tarantinismo se hace ágil, entretenida y ligera. No sobrecarga ni te hace exasperar, no te dan ganas de abandonar la sala, te conviertes en un visitante al Hollywood dorado. Tarantino te coge de la mano y te invita a rodar con él.

Las actuaciones son geniales. En especial Pitt, que se devora a DiCaprio. Al Pacino y Robbie nos brindan los momentos suficientes para que no se sobreexploten y acaben agotando. Las participaciones del resto del elenco, divertidas, en especial Russell, Madsen, Bell y la pequeña Julie Butters.

Así mismo, la película se compone de una sucesión de escenas en un patrón DiCaprio - Pitt - Robbie que varía en ciertas ocasiones. Completamente diferente a lo habitual de Quentin.

Un aspecto que creo tener que criticar con dureza es la narración: hemos visto como este recurso se ha utilizado para puntualizar detalles (las películas de Nitrato en "Inglourious Basterds") o para advertirnos sucesos que hemos dejado escapar (el envenenamiento del café en "The Hateful Eight") pero aquí supone una excusa simple y sucia para dar saltos temporales enormes. 

La BSO es excelente, muy bella, con tema verdaderamente pegadizos y emocionantes, como el que suena cuando Rick Dalton entra en la mansión de Tate.

Con todo, sacamos en claro que la belleza de "Once Upon a Time in... Hollywood" reside en el amor que profesa Tarantino por el cine, y la meticulosidad con la que se desarrollan los rodajes y las escenas más cinematográficas, en las actuaciones, todas, estelares y en la agilidad y ligereza del desarrollo de una película más al estilo de "Django Unchained" (2012) o "Pulp Fiction" (1994). Peca su guión, en el que escasean esos díalogos que tanto nos gustan, y la violencia, aunque luego compensa de alguna forma en el final.

No creo que sea una de sus mejores películas, pero tampoco un paso intermedio. Por todo lo dicho, se queda a la mitad.

Aunque admito que me lo pasé de puta madre viendola. Las cosas como son.

Pibón del Barroco

Tarantino... ¿Y ahora qué?

En este blog durante los últimos días he decidido revisar la filmografía completa de Quentin Tarantino para realizar análisis sobre sus obras. Si bien, está calro que para mí es una figura de inspiración, que admiro y me apasiona, no la he librado de las críticas más duras o de un análisis objetivo en cada película. Si bien, considero, por ejemplo, que "Inglourious Basterds" es su obra maestra, no os engañaré diciendo que no es mi obra favorita del director, si no "Reservoir Dogs". En mi opinión, el equilibrio entre el gusto personal y el objetivismo es lo que hace una buena crítica.

Considero a Tarantino uno de los grandes maestros de la historia del cine (suelo decir el mejor, pero la gente se me echa encima...) y también, uno de los grandes aprendices. Genio autodidácta como pocos, él no tuvo que ir a ninguna escuela de cine: simplemente trabajaba en un videoclub. Otro de los aspectos que me apasionan de él, indudablemente, su fuerza de voluntad.

No hay que negar que en cierta medida ha tenido suerte o ha tirado de "encantos personales", pero si algo rige sus obras es la originalidad emanada de toda una vida de estudio. El culto a otros films y géneros le ha permitido elaborar cintas completamente novedosas a ojos del gran público, pero con gran influencia histórica de otros directores y artistas.

Ahora bien, ¿que me espero de su nueva película? Realmente creo que será un estilo "Pulp Fiction", y que habrá que verla más de una vez para comprenderla del todo... Aunque con la práctica que ya llevo tal vez no me sea necesario. Espero más diálogos ingeniosos y atrapantes, y confio en que el final más que espectacular sea ágil, y no se atranque como viene haciendo últimamente. Confió en todo el reparto y tengo especiales ganas de ver a Dern, Roth y Madsen. Por lo que he visto, Di Caprio y Pitt forman un tandém perfecto que pasará a la historia, y espero que no se dé mucho bombo a Margot Robbie y Al Pacino: que salgan lo suficiente como para desear más de ellos.

Y en cuanto a sus futuros proyectos... Dudo que realize una secuela de "Django Unchained", o "Kill Bill vol. 3" o incluso la descabellada idea de un "Star Trek", y si lo hace, no lo considerala como su décima obra (si así fuese, desde luego, se debería contar también al "CSI: Peligro Sepulcral" o "Urgencias: Maternidad"). No sé que esperar de este maestro, pero seguro que una décima película magistral.Y no descarto que veinte años después quisiera volver.

Ah, y tal vez mañana el análisis de "Once Upon a Time in... Hollywood".

Pibón del Barroco

The Hateful Eight: Asesinos maduros en son de claustrofobia

The Hateful Eight: Asesinos maduros en son de claustrofobia

Tras el éxito sin precedentes de "Django Unchained" (2012) Quentin Tarantino decidió continuar con uno de sus géneros favoritos: el western. Si bien en esta ocasión, el estofado le saldría completamente diferentes. Hasta la fecha (y sin contar el próximo estreno de "Once Upon a Time in... Hollywood" (2019)) es la película más reciente del realizador y sin embargo, una de las menos conocidas e incluso infravaloradas. Y como curiosidad, la primera que incluye más de dos palabras en su título.

"The Hteful Eight" o como fue titulada en España, "Los Odiosos Ocho" se remonta al año 2014. Quentin Tarantino deseaba rodar otro western, esta vez en 70 mm, en la que un grupo de desagradecidos se veían obligados a pasar un tiempo encerrados a la fuerza en una mercería. Sin embargo, durante aquel año y tras finalizar el guión, este se filtró en internet. Consternado por la noticia y señalando a algunos de sus amigos más cercanos como Michael Madsen y Tim Roth, Quentin aseguró que ya no rodaría le película y que continuaría otros proyectos. Para suerte de todos, la lectura del guión en un teatro de Los Ángeles y la insistencia de Samuel L. Jackson le hicieron retractarse de su decisión. A pesar de ello, cambió ciertos detalles de la trama y el final de esta.

Por lo tanto, Quentin reanudó la película, que se comenzó a rodar a finales de ese mismo año. Para el elenco, repitieron casi todos los que leyeron el guión en el teatro: Samuel L. Jackson encabezaba el reparto con su Major Marquis Warren, seguido por Kurt Russell y Walton Goggins como "los buenos" de la película: en el otro bando, Tim Roth y Michael Madsen repetían tras más de 20 y 10 años respectivamente sin participar en alguna de sus películas. Demian Bichir y Bruce Dern completaban el elenco principal, al que se sumaban de forma secundaria James Parks y Channing Tatum. Para la villana de turno, la escalofriante Daisy Domergue, Quentin hizo un amplio casting del que salió escogida Jennifer Jason Leigh. La produción a cargo de "The Weinstein Company" aportó la insginificante cifra de 44.000.000 $ en comparación a sus anteriores películas.

El argumento y la trama es sencilla, pero desarrollada con una maestría envidiable: un cazarrecompensas detiene a una diligencia para escapar de una tormenta de nieve. En ella viajan otro cazarrecompensas y su víctima, una sanguinaria mujer por la que ponen un precio de 10.000 $. Por el camino recogen a un tercer hombre que dice ser el sheriff del pueblo al que se dirigen, pero como la tormenta los consumen, deben detenerse un par de días en una mercería con una serie de personajes tan diferentes como cómplices...

En sí la trama es similar a "Reservoir Dogs" (1992) y vuelve a diseñarse un exhaustisvo análisis de personajes, para concluir con la idea de que no son tan diferentes como parece.

Una película de 167 minutos en la que la acción se desarrolla en la última hora, el punto fuerte ha de ser el guión, que recae, obviamente, en los diálogos: Quentin Tarantino demuestra con esta película que puede narrar una historia extremadamente intensa solo con el poder de la palabra, resuelta con una madurez sorprendente. Los diálogos de pollas en canciones y nombres de hamburguesas se quedan muy atrás para dejar paso a las narraciones de batallas que solo los más entendidos conocen, el racismo presente en la cultura americana desde tiempos inmemoriables y la justicia y todo lo que la concierne. Nadie entiende nada, pero no podemos dejar de escuchar o de mirar a la pantalla porque resultan tan atrapantes los diálogos como claustrofóbica la situación. Así mismo, los personajes van trazando sendas entre ellos para descubrir quién les traicionará y en quién puede confiar, y a pesar de sus diferencias, en los momentos más difíciles se alían para proteger sus respectivos culos. Todo ello sin usar una única bala hasta que se vuelve necesario. Es reseñable la dirección de actores de esta película, tal vez la mejor de toda su filmografía: es toda una sincronía de un sangriento ballet. Cada uno de los intérpretes devora su personaje, sobresaliendo, claro esta, Jennifer Jason Leigh, quién fue nominada a mejor actriz de reparto por su actuación (la mejor villana de la carrera de Quentin Tarantino, desplazando a la mortífera Elle Driver de "Kill Bill" (2004)). Kurt Russell y Samuel L. Jackson aportan unas actuaciones envidiables, destacando este último con un intenso monólogo sobre el hijo del personaje de Bruce Dern, quién tal vez resulte el más entrañable de los personajes al demostrar un atisbo de amor y pesidumbre ante el horroroso final de su muchacho. En unos momentos retomaremos esta escena.

No he sido el único que ha visto cierto comportamiento del Dr. King Schultz en el papel de Tim Roth, aunque no le libra de elogios por su deplorable caballero inglés que en realidad es un psicópata. La frialdad de las ejecuciones del vaquero de Madsen son los puntos fuertes de su personaje y la intensidad de Demian Bichir recae en su solitaria figura. Otro de los reyes del reparto es Walton Goggins, al diseñar un burlesco y resentido sheriff sureño que cambia completamente su posición con el transcurso de los acontecimientos, creando el mejor personaje de su carrera.

La película cuenta con ciertas escenas verdaderamente impresionantes, en cuanto a guión y rodaje. Saltando los maravillosos planos nevados de Wyoming, hay una escena en particular que me apasiona, y es la anécdota del Mayor Marquis sobre como el hijo del hombre que tiene en frente le mamó la polla hasta morir (literalmente). Esta escena desprende una intensidad en el suspense con la que se desarrolla que se enclava principalmente en los cruces de miradas de sus protagonistas; dos figuras antagónicas, unidas por una guerra y una misma persona. La inserción del flashback para apoyar la historia del personaje de Jackson es sobrecogedor, en un paraje helado, congelado, frío e intenso donde la muerte negra resalta en el blanco de sus tierras. 

Otras grandes escenas de la película resultan la llegada de los cuatro asesinos a la mercería esa misma mañana, el envenenamiento del café y la escena final, con la ejecución de Domergue y la lectura de la carta de Lincoln. En si, esta carta funciona como un mcguffin (al más puro Hitchcock) que establece conflictos y resoluciones entre los personajes.

Un gran añadido a estas impresionantes escenas es la magistral BSO, la primera original de Quentin, compuesta enteramente (a excepción de las canciones líricas como "Apple Blossom" o "Now you´re all alone", que se insertan de manera espectacular) por el genio italiano Ennio Morricone, quién había cedido algunas de sus piezas a "Inglourious Basterds" (2009) y "Django Unchained" (2012) que le hizo valedor del primer óscar en su carrera, sin contar el honorífico.

La fotografía de Robert Richardson también es un gran añadido. De hecho, creo recordar que leí una vez que la temperatura de la mercería se bajó a cero grados para que las sensaciones que experimentaran los actores fueran reales y el vahó y demás elementos fuesen más sencillos y realistas de captar. La película logra con todo una sensación de clastrofobia total... ¿Se imaginan pasar una sola noche con estos tipos?

Otra anécdota que concierne al rodaje es que, la guitarra que el personaje de Leigh toca tenía más de 100 años de antigüedad y fue prestada por un museo. Todo el equipo sabía que la escena se debía cortar cuando Russell iba a romper la guitarra para sustituirla por una falsa. Bueno, todos no, Russell no. Quentin no se lo advirtió y siguieron rodando, así que la reacción de Leigh no se refiere al mero hecho de romper la guitarra, sino a romper más de cien años de historia... Cosas de Tarantino.

Con todo lo dicho, solo podemos poner como pegas que tal vez sea una historia demasiado larga, que, como le venía sucediendo, se atranca al final y que además no cuenta con el encaje de la acción con el diálogo, posponiendo la primera para la recta final.

Pero por lo general, puede que esta sea una de las mejores películas del realizador, o por lo menos, la más infravalorada. Supone un thriller total a medio camino de su ópera prima y "The thing" (1982) y tintes de Agatha Christie. Además, la estructura por capítulos retransmite a una obra de teatro, lo que otorga esa sensación de, perdón por la redundancia, teatralidad. La película también funciona como un recopilatorio de todo por lo que se caracteriza su carrera, estructurado de forma que compone una nueva y única película; una obra magna, impresionante, que al igual que "Jackie Brown" (1997, y a pesar de no compartirlo) se revalolizará con el tiempo.

Ahora solo queda, esperar a mañana.

Pibón del Barroco

Django Unchained: Entretenida revisión vengativa del Oeste

Django Unchained: Entretenida revisión vengativa del Oeste

El éxito mundial que supuso "Inglorious Basterds" (2009) volvió a elevar el nombre de Quentin Tarantino como la espuma, y de hecho, no ha vuelto a bajar: su siguientes proyectos y su tan esperada novena película han mantenido el nombre del cineasta en lo más alto. Aunque sus últimos filmes son bien recibidos por crítica y público y no incitan tanta polémica como antaño, muchos se preguntan si verdaderamente son tan buenos como parecen. Y no es para menos, pues con Django Unchained pasa precisamente eso:
Quentin, amante del oeste (y concretamente del mediterráneo) desde su infancia (asegura que su película favorita en general es "Il buono, il brutto, il cattivo"  de 1966, obra maestra de Leone y del cine, a pesar de lo que diga el gilipollas de Boyero) siempre se ha apreciado de introducir elementos del género en sus películas, como en "Kill Bill" (2004) o "Inglourious Basterds" (2009). Obviamente, no tardaría en realizar una película del oeste en su plenitud, y no una, si no dos, pero "The Hateful Eight" (2015) la dejamos para otro día, hoy nos ocupa el tiemo Django Unchained, que aquí fue renombrada como Django Desencadenado.

La séptima película de Quentin Tarantino supuso un largo y angustioso proceso para el cuál se necesitaron 100.000.000 de $. Quentin deseaba realizar un "spaghetti western" protagonizado por negros para narrar la esclavitud desde un punto de vista puramente cinematográfico, con disparos y latigazos a bocajarro. Tras finalizar el guión se lo presentó a "The Weinstein Company" y esta lo produjo junto a "Columbia Pictures".

El rodaje se vió marcado por varios acontecimientos trágicos, como accidentes y defunciones. La más sonada, la del director de arte J. Michael Riva. Dos años antes había muerto Sally Menke, la excepcional montadora de nuestro hombre, por lo que en esta ocasión el montaje lo capitaneó su ayudante, Fred Raskin, y aunque no es del todo malo, si deja entrever que la película echa de menos a Menke.

Para el reparto Quentin escogió a Christoph Waltz por delante de los demás, de hecho, el personaje de Kign Schultz se lo escribió expresamente para él. Jamie Foxx como Django no fue la primera opción, sino Will Smith, pero este no estaba por la labor de que su personaje no matara al antagonista, el despiadado personaje de Leonardo Di Caprio en una de sus mejores actuaciones. Lo completan un Samuel L. Jackson escalofriante con el que el director no rodaba desde el 2004 (sin embargo prestó su voz para la narración de "Inglourious Basterds" (2009)). Para el diminuto papel del esclavista Billy Crash se pusieron sobre la mesa los nombres de Kevin Costner y Kurt Russell, pero finalmente fue el acertado Walton Goggins el encargado en representarlo. Kerry Washington repitió como mujer de Jamie Foxx tras la emocionante biografía del músico Ray Charles en "Ray" (2004). Otros nombres que sonaron para el proyecto fueron Sacha Baron-Cohen y Joseph Gordon-Levitt, pero el reparto se completó con Don Johnson, Michael Parks y los cameos de Jonah Hill y Franco Nero.

La película nos traslada al sur de EE.UU poco antes de iniciar la Guerra Civil: un convoy de esclavos es detenido por el dicharachero dentista King Schultz, que no es más ni menos que un cazarrecompensas que busca a un esclavo proveniente de una plantación en la que trabajaron tres sanguinarios hermanos. El Dr. encuentra al esclavo que buscaba, Django, y le promete la libertad si le ayuda a capturar al trío. Juntos se dirigen a la plantación para darles caza, pero acabarán siendo perseguidos por el mismísimo Ku Klux Klan.

Hasta aquí la película presenta una narración frenética y de puro entretenimiento, sin decaer en ningún momento y con agradables momentos de reposo donde surgen los más puros diálogos del guionista tras la cámara. Las situaciones de esta primera parte de la película son bastante discernidas a las de la segunda, con momentos absolutamente geniales y ligeros, vease, por ejemplo, el ya comentado en millones de ocasiones: la persecución del Ku Klux Kan. A parte de introducir un elemento juzgante en el film (la prevalencia, importancia y poder de la organización supremacista que hasta día de hoy se mantiene en EE.UU) también sirve como antesala cómica a una parte más drámatica y lenta. El diálogo es tan sumamente genial que dan ganas de verles discutir horas y horas. Realmente agradable el cameo del cómico Jonah Hill.

Tras ese encontronazo, la pareja continua su aventura. Un montaje de entretenimiento sirve para separar la parte ya comentada de la que esta por venir. Realmente es una secuencia entretenida, pero que se alarga demasiado. Por ejemplo, la escena en la que el Dr. obliga a Django a disparar contra un hombre que se hay junto a su hijo es totalmente prescindible y solo sirve para que esto mismo se lo replique más tarde Django al doctor. 

A continuación, viajan hasta Mississippi, donde van en busca de la esposa de Django, pero el doctor sabe que nadie vendería un esclavo por trescientos dólares sin necesidad alguna, así que se hacen pasar por aficionados a las peleas de mandingos para comprarle a enérgico propietario de la plantación de la esposa de Django un negro por 12.000 $. Obviamente, las verdaderas intenciones de nuestros héroes son descubiertas y les obligan a pagar esa cantidad por la mujer.

Esta segunda parte se ve marcada por las soberbias actuaciones de Leonardo Di Caprio (puede que su mejor papel tras el egocéntrico Jordan Beelfort de "The Wolf of Wall Street" (2013)) y un Samuel L. Jackson verdaderamente despreciable, que logran eclipsar a nuestros protagonistas. Es célebre la anécdota en la que Di Caprio rompió una copa con la mano y continuó su actuación, hasta que se finalizó la escena: lo que vemos en pantalla es la sangre de Di Caprio.

Sin embargo, este tramo se vuelve lento y pesado desde el sofocante viaje de nuestros protagonistas hasta la plantación, que no ofrece más que vistosos planos de lo verde que resulta el condado de Chickasaw, Mississippi. Si no fuera por las actuaciones, la película se derrumbaría por completo en estos instantes. Samuel L. Jackson aporta una naturalidad a su personaje que mejora bastante los diálogos sobre porqué o no debería dormir Django en la casa grande. De igual manera, la cena sería bastante tediosa sin los despreciables comentarios de Monsieur Calvin J. Candie, y es que los diálogos y frases aquí elaborados no se cuentan entre los mejores de Quentin. Simplemente, sus actores supieron darles vida. En definitiva, el tiempo va pasando y la película decae.

El desenlace resulta agotador: uno viene de dos horas de película que van decayendo, haciendose pesadas hasta que por fin, Django retoma su venganza. No sin antes un intenso parloteo con unos mineros (el propio Tarantino es uno de ellos) y un montaje con una música nada pegadiza en la que regresa a la plantación y liquida a todos los leñadores para salvar a su amada. Ya por fin, consigue entrar en el edificio, colocar la dinamita y asesinar a los capataces restantes. No sin antes inflingir una angustiosa tortura al personaje de Jackson. Hay que decir qué, en esa instancia, el montaje es preciso, encajando la música con el desfigurado rostro de Jackson y la llama carcomiendo la mecha de dinamita. Ya por fin y tras unas gracietas de caballo, la película finaliza con la sintonía de "Lo chiamavano Trinità..." (1970).

Y así como empezó, finaliza la cinta. Te quedas igual. Has visto un film puramente entretenido hasta cierto punto con unas grandes actuaciones pero que no ofrece más. No hay una complejidad narrativa, ni un montaje preciso, ni una gran bso ni un final trepidante (pues va escalando poco a poco). Ves un buen film, pero desde luego no una de las obras maestras de Tarantino. La bso se compone principalmente de temas afines al género Western y con algunas canciones notables, pero la introducción de algunos temas descuadra completamente el soundtrack del film. La fotografía es notable, y nos retransmite a ese ambiente cálido y sudoroso de la esclavitud. Sin embargo, poco más puedo decir de una cinta con un guión sumamente simple que sería muy inferior si no estuviese en boca del elenco escogido.

Aún con todos los defectos con los que cuenta, el ser un film de puro entretenimiento es siempre la idónea para iniciarse con Tarantino (descontando la opción cronológica, claro) y con la que la mayoría de los jóvenes como yo nos hemos iniciado en la filmografía de nuestro hombre. 

Hasta día de hoy se ha hablado de la película, de hecho, hace no mucho surgió un rumor que ya surgió en su día tras la publicación de unos comics basados en el film: que Quentin podría rodar un crossover entre Django y "El Zorro". Puede que suceda, pero lo más seguro es que no. Sin embargo, siempre podremos revisar Django o si queremos acercarnos más al oeste visualizar su siguiente película: "The Hateful Eigth" (2015):

Pibón del Barroco