PIBÓN DEL BARROCO: El PATREON

 

 Hola barrokers. Hoy vengo a contaros algo sumamente importante, así que os pido que leaís hasta la última línea, por favor. Hoy vengo a hablaros de mi Patreon:

 ¿Qué te pasa Pibón? 

Bueno, yo estoy bien, pero tengo un problema: me está costando mucho arrancar. A ver, empiezo desde cero: yo quiero labrarme una carrera artística, paralela a mis estudios, y para eso lo mejor era YouTube. Siempre quise dedicarme a ese mundillo, y hace un par de años comencé. Como muchos sabéis, este 2020 está siendo de gran productividad para mí en el canal de YouTube, que está creciendo bastante bien. He realizado muchos doblajes, una película y pronto lanzaré más vídeos, pero resulta frustrante que todavía no haya llegado a más y más gente, y siga trabajando y trabajando pero me quede sin materiales y capital. Parece mentira, pero si en cada vídeo adquiero algo que necesito para darle más verosimilitud o que quede mejor al final gasto un dinero que yo tengo destinado a otros menesteres, sobretodo de mi vida privada. Disfruto con esto, sí, pero no quiero volver a pedir dinero para salir a cenar un día con mis amigos. Por eso es que me he creado cuenta en esta plataforma: Patreon. Aunque de momento pueda convalidar la carrera con mi vida, según las estadísticas pronto dejará de ser así, así que necesito otros medios para subvencionar mis obras.

¿Qué es Patreon?

Patreon es una plataforma que nació en EE.UU y mediante la cuál todos podemos ganar algo de dinerillo para (por lo menos eso dicen) subvencionar nuestras obras. Veréis, una vez entras a un perfil de Patreon verás que tiene varios "niveles", es decir, unas pestañas que, ahora viene lo mejor, si donas dinero te devuelven en material extra. A ver, ved la foto:

Ahi está. Podeís ver como hay tres niveles diferentes, cada uno con un precio. Una vez compras uno tienes a tu disposición todo lo que ese nivel contiene. Lo lógico es que cada nivel superior contenga lo del anterior más algo más. En definitiva, no donas, si no que compras material extra que el artista no va a subir a ningún lado salvo al Patreon. Más bien es un servicio como Netflix o Movistar, pues cada mes pagas por ver el nuevo material que suba el autor.

¿Como te subvenciono?

Muy sencillito: entras a Patreon con una cuenta, previamente creada en la plataforma o con tu Facebook o Google. Una vez dentro me buscas (o sigues el enlace que hay en este post), accedes a uno de los niveles que deseas subvencionarme y sigues los pasos: número de tarjeta, caducidad, etc.

Como tengo activado el pago por adelantado se os cobrará ahora, y ya tendréis acceso a todo lo que haya subido para vuestro nivel. El día 1 del SIGUIENTE MES y ya hasta que os deís de baja se os cobrará. Repito, a partir del segundo pago se os cobra siempre el 1 del SIGUIENTE MES. Yo el dinero lo retiro manualmente cuando desee, es decir, se va acumulando en mi Patreon y puedo retirarlo cuando quiera. Lo único malo es que no me estáis pagando el total que se indica (por ejemplo, pongo seis euros y aparecen ocho con cuarenta y siete), si no que un poco se va a impuestos y resstriciones bancarias. Bueno siempre me lo podeís dar en negro en persona, pero eso no tiene beneficios extra.

¿Y cuáles son los beneficios?

 Aunque aparecen en el Patreon, también os los pongo aquí. Hay tres niveles:

• Nivel Goya: -Imágenes, traílers o clips en exclusiva de los próximos vídeos                               -Tu nombre aparecerá al final de cada vídeo.
• Nivel Mercury: -Beneficios del "Nivel Goya" -Imágenes de entre bastidores: cómo se hizo, capturas de guión, anotaciones, etc... -Podrás votar en encuestas sobre lo que quieres ver en el futuro en mi canal, o para recopilar datos de mi audiencia
•  Nivel Che: -Beneficios del "Nivel Goya" -Beneficios del "Nivel Mercury"
  -Vídeos extra, cómo toma falsas, escenas eliminadas o making offs que no verás en otro sitio.
  -Lo del arma es broma, pero podrás ponerte en contacto conmigo y decirme que quieres o no quieres ver en mi canal. Y tus sugerencias son las más importantes.

Como veis hay beneficios muy interesantes y muy guays. En un futuro si todo va bien tal vez haga más niveles o me acabe prostituyendo si todo va mal. No sé. Es cuestión de tiempo.

Por último...

1.  Logicamente nadie, absolutamente nadie, está obligado a hacerlo.  Solo los que queráis verdaderamente apoyarme.
2. No se devuelve el dinero, obviamente. Estoy ofreciendo un servicio, y vosotros a cambio me dais cash. Podeís daros de baja cuando queráis pero el dinero no se os reembolsa.
3. Todo lo que gane aquí va para material de más y más vídeos, o para publicitarlos. Nada de lo ganado va a intervenir en mi vida personal. 

Así que esto es todo. Muchas muchas gracias por el apoyo y por leerme. Y coño, antes de que se me olvide, el enlace al patreon:

https://www.patreon.com/pibondelbarroco

bESITOs

¿TELÉFONO ROJO? VOLAMOS HACÍA MOSCÚ: Una imperfecta (y larga) sátira

Nunca sé que contestar cuando me preguntan si me gusta Stanley Kubrick: lo cierto es que como director, como plasmador de imágenes y conceptos, haya sido de los más grandes. Sin embargo, nunca se desenvolvió del todo bien a la hora de contar historias. Ver una película de Kubrick es, inevitablemente, aburrirte a ratos, o si no durante todo el metraje. De hecho, si me preguntan, prefiero mil veces "Paths of Glory" o "Spartacus" que "The shinning" o "2001: A space odisey"; porque en las dos primeras hay historia: hay intención de contar algo sin irse por las ramas. En mi opinión, las otras dos son ejercicios visuales impresionantes pero que no ofrecen ni gancho ni entretenimiento. Y a medio camino de estas cuatro tenemos "Dr. Strangelove or: How I learned to stop worrying and love the bomb", considerada una de las mejores comedias de la historia. Hoy, vamos a analizar en que falla esta película para que, a mi parecer, sea una obra imperfecta.

Vamos a empezar por lo obvio y común cuando analizamos una película: explicar la trama. Y ojo, que como siempre, habrá spoilers. La película es, para empezar, una sátira de la Guerra Fría, rodada y estrenada en los peores años de esta. La historia nos habla de un hipotético ataque nuclear estadounidense a la Unión Soviética a raíz de un fallo (bueno, de un militar loco, vale) y tres puntos de vista de este: el primero, el del militar que ha ordenado el ataque, el segundo, el de un avión que carga dos bombas atómicas, que creen que el ataque es real y se disponen a llevarlo a cabo, y el tercero (y más interesante) el del presidente de los EE.UU intentando evitar el ataque, porque de lo contrario, los soviéticos responderían con un arma capaz de aniquilar a toda la humanidad. Aquí ya vemos una de las tantas genialidades de la película: narrar la historia desde tres puntos de vista, que suelen ser los puntos de vista de cualquier conflicto: quién lo ordena, quién lo lleva a cabo y quién intenta evitarlo. Sin embargo la genialidad radica en que los tres pertenecen al mismo bando, y cada cuál tiene sus bases y sus opiniones para creer que hacen lo correcto. A pesar de ello, lo que resulta una virtud del guión también es una lastra para la película.

 

 

De las tres historias mencionadas solo hay una que realmente merezca la pena y que pueda tildarse de divertida. Las otras dos son excedentes de metraje sin el suficiente humor y que solo resultan interesantes en sus momentos finales. Por ejemplo, la historia del militar que ordena el ataque y se atrinchera en su oficina junto a un oficial de la RAF es tediosa, sin ningún tipo de gancho y en la que prima la confusión escénica. Tal vez el momento más genuino es cuando el militar se suicida en el baño y su compañero (encarnado por Peter Sellers) le sigue hablando y dando ánimos. Igual de ocurrente es la escena en la que finalmente los militares toman el edificio y hacen de rehén al oficial de la RAF, pero este les convence de llamar al presidente, para lo que necesita monedas que, irónicamente, extraen de una máquina de Coca-Cola. Aunque es un desenlace genuino, no merece la pena los minutos perdidos en el segmento para llegar a tal conclusión. Igual de tediosas son las escenas de los militares en avión, que si bien cuentan con algunos chistes más de por medio no levantan nunca el vuelo (y nunca mejor dicho). A propósito, de esa historia nace la famosa imagen del vaquero sobre la bomba, otra genial sátira del maestro Kubrick:

 

Finalmente tenemos el segmento dedicado al debate sobre el ataque aéreo, protagonizado por Peter Sellers como el indoblable presidente de los EE.UU y coprotagonizado por Peter Sellers como el Dr. Strangelove, el asesor nazi del presidente, en otra brillante pullita de Kubrick. Es aquñi cuando mejor se desenvuelve la historia, entre diálogos claros y genuinos (brillantes las llamadas de teléfono al líder de la URSS, "Dimitri") y personajes estrambóticos, como el embajador ruso o el militar enamorado. Este segmento es una verdadera delicia cinematográfica, que además configura una atmósfera magistral en ese subsótano del pentágono, con una iluminación muy concentrada en los personajes.

Y es que en ese sentido creo que la película gana mucho: a estas alturas no hace falta decir que Kubrick dominaba la luz como pocos, pero el trabajo de sombras y siluetas que hace es magistral. En escenas con una clara iluminación no se vé ni una sombra de algo que no aparezca en pantalla. Al margen de eso, la fotografía y la dirección es soberbia, atendiendo más a planos cerrados, fijos y tomas largas, lo propio en una película casi al 100% compuesta por diálogos, pero resueltos con sencillez e ingenio, para introducirnos en la escena.

Concluyendo, me gustaría decir que esta película me ha encantado, pero no es así: como ya he resuelto, el film se me hace pesado (pese a su duración de hora y media), y los aspectos técnicos no compensan la pérdida de tiempo en gran parte de dos de sus tres historias, dónde la sátira pierde fuerza y el humor es escaso, y si lo hay, muy secundado por dar prioridad a diálogos vacíos y fuera de lugar. Destaco a Peter Sellers, que aún no siendo santo de mi devoción resulta toda la fuerza de la película. Reconozco las genialidades de la obra, pero no creo que todo, sumando, llegue a darnos un film redondo. A propósito, la sátira, presente en toda la película, no acaba de conformarse: ¿critica el exceso de puestos en la cadena de mando? ¿critica la falta de diálogo entre los políticos y las naciones? ¿o acaso todo un poco? En fin, con esta película dejé de preocuparme por las guerras y empecé a amar a los científicos nazis.

 

Atte: Pibón del Barroco

DIEZ grandes ACTUACIONES que me cambiaron LA VIDA

Vale, lo admito: es un título bastante melodramático. Ninguna actuación ha valido tanto la pena para replantear y cambiar mi vida. Sin embargo, ha habido unas cuántas que han influido notoriamente en mi personalidad, en mis gustos, en mi forma de apreciar el mundo o incluso (sobretodo, más bien) en mis vídeos. Por supuesto, hoy os las traigo, para celebrar que llevo más de 600 votos en Filmaffinity (y no de cortometrajes, eh).

Huelga decir que, como cada día veo nuevas películas, series y otro material este top puede variar mucho de aquí a poco, pero lo que es la cúspide de este seguramente se mantenga. También cabe destacar que el top (que conformaré en esta ocasión solo por actuaciones de películas) lo van a conformar actuaciones fuera de las conocidas. Sí, todos coincidimos en que Marlon Brando en "The Godfathert", Robert DeNiro en "Rainning Bull" o Tom Hanks en "Forrest Gump" son grandes actuaciones merecedoras de pasar a la historia, pero ha habido otra serie de intérpretes y sus papeles que a mí, personalmente, me han marcado más. Por ende repito que este es un top muy personal: no digo que estas actuaciones sean las mejores de la historia ni mucho menos, pero sí mis favoritas, capaces de eclipsar para mí a los más renombrados personajes de la historia del cine. Dicho esto, vamos a empezar:

10

GILDEROY LOCKHART - Kenneth Branagh

(Harry Potter and the Chamber of Secrets-2002)

Aunque a muchos les cueste admitirlo, la saga de "Harry Potter" contine algunas de las mejores adaptaciones de personajes literarios a la gran pantalla: Severus Snape, Remus Lupin o Albus Dumbledore son claros ejemplos pero si hablamos de personajes que me han marcado ninguno se compara al excéntrico y popular Gilderoy Lockhart: ya he habaldo en varias ocasiones de mi admiración por este personaje, tanto en su versión literaria como audiovisual, en la que por cierto, gana muchísimo encarnado por el maravilloso Sir Kenneth Branagh. Un personaje oscuro y desternillante a partes iguales que funciona como perfecto arquetipo del pícaro en la literatura universal.

9

WALTER FINCH - Robin Williams

(Insomnia-2002)

También es conocido mi empeño en catapultar a Robin Williams como uno de os mejores intérpretes de la historia del cine. Entre sus papeles memorables recordamos "Good Will Hunting", "Dead Poets Society" o todas sus maravillas cómicas. Sin embargo hoy quiero recordarle por otro papel: el de escritor asesino en "Insomnia", la película más infravalorada de Christopher Nolan. No solo brilla cuando aparece solo en escena, si no que con el magistral Al Pacino conforma un tándem difícil de olvidar para quiénes hemos visto la película. Tras este papel le llegaría alguno más que trataba la psicopatía, pero nunca con la destreza en la que se desenvolvío en esta olvidada película.

8

TUCO - Eli Wallach

(Il buono, il brutto, il cattivo-1966)

En mi opinión, resulta injusto recordar el papel de Clint Eastwood cómo arquetipo del Spaghetti Western, cuando fue Eli Wallach con sus papeles de pícaro bandido el que mejor representaba la esencia de aquel subgénero. El la obra maestra de Sergio Leone (Il buono, il britto, il cattivo) la ecuación del trío protagonista se eleva a la maestría con el papel de Wallach, que aporta a la cinta los toques que la han hecho un clásico y un film indispensable, además de la máxima expresión del subgénero. Tal vez lo más puristas del cine la recuerden como un mero pasatiempo pero para mí, este western desenfadado es un obligado visionado para todo aquel que se considere cinéfilo.

7

MAX FISCHER - Jason Schwartzman

(Rushmore-1998)

Y yo siempre que veo esta delicia me pregunto: ¿porqué el cine no ha mantenido a Jason Schwartzman como uno de los mejores actores del cambio de siglo? Brillante comedia romántica del no menos brillante Wes Anderson, protagonizada por el antihéroe estudiantil mejor interpretado de la historia del cine. Schwartzman compone una actuación que ni los más grandes a su edad podrían haber equiparado. Lamentablemente el tiempo no ha sido justo ni con él ni con la película, pero por lo menos con Anderson siempre tendrá papeles asegurados. Ah, y va a salir en la cuarta temporada de Fargo, que no es poco.

6

LEE CHANDLER - Cassey Affleck

(Manchester by the Sea-2016)

Cuando ví esta película por primera vez recuerdo que me encantó; cuando la ví por segunda vez se me hizo algo más pesada (seguramente sea de los films que para verlos dos veces se necesiten muchos años de por medio), pero en ambas ocasiones la actuación de Cassey Affleck me dejó mudo: la interpretación del hombre que lo pierde todo y debe seguir luchando, no por él, si no por quiénes le necesitan, me dejó mudo. Justa merecedora del Óscar al mejor actor pero, ¿se mantendrá bien con el paso del tiempo?

5

CARLITOS BRIGANTE - Al Pacino

(Carlito´s way-1993)

Al Pacino, ¡cómo te queremos aquí! La decisión de colocar alguno de tus personajes ha sido casi imposible: entre ""Scent of a woman", "Dog days afternoon" y otras tantas casi no entrabas en el top, porque de lo contrario ocuparías todos los puestos. Sin embargo, he decidido optar por el personaje del gánster que desea retirarse, de la excelente "Carlito´s Way" de Brian de Palma. Una revisió mejorada y más filosófica de la archiconocida "Scarface" en la que Al PAcino brilla como nunca. A parte de él, Senn Penn y Penélope Ann Miller también brillan y la cinta está rodada con una precisión increíble (la escena final es una de las mejores cosas que he visto nunca) en la que es, posiblemente, la mejor película de De Palma.

4

HANS LANDA - Christoph Waltz

(Inglourious Basterds-2009)

Hoy un amigo me decía que estaba viendo "Inglourious Basterds" y que le encantaba por el uso de la violencia con la que se desenvuelve Tarantino: otro de los logros de este film es coger a un actor de telefilmes alemanes y darle un papel con el que se descubre a uno de los intérpretes del siglo, y uno de los mejores villanos de la historia del cine: el sádico coronel nazi Hans Landa, en una interpretación que resulta sublime. Contadas excepciones, Waltz no ha dado la talla en sus papeles posteriores, más bien fruto de las malas películas en las que ha escogido participar que por sus dotes actorales. Al menos le recordaremos como el hombre que nos hizo temer a quiénes llaman a nuestra puerta y piden un vaso de leche...

3

TONYA HARDING - Margot Robbie

(I´m Tonya-2017)

Cuando descubrí esta película y la historia de detrás tenía un relativo interés en cómo habría sido tratada filmicamente: aunque muchos critican el aporte de humor negro o el tono desenfadado de la historia, a mi parecer resultó todo un acierto, pues finalmente lo compensa con el drama más puro. ¿Y quién fue la encargada de protagonizar este intenso biopic? Pues una actriz traída de superproducciones, como la bazofia de remake de Tarzán o la archiconocida "Suicide Squad", sin embargo Margot dió la talla y nos condujo a los espectadores en una de las interpretaciones femeninas más brillantes de lo que llevamos de siglo, que merecía el Óscar que la sosaína Frances McDorman se llevó. Pero no te preocupes Margot: sigue en la línea de los biopics ("Bombshell", "Once upon a time... In Hollywood") y te llevarás el premio algún día.

2

REDMOND BARRY - Ryan O´Neal

(Barry Lyndon-1975)

Popular y desgraciado en la misma época, así fue Ryan O´Neal, del que ya poco se sabe. El actor protagonista de "Love Story" fue contratado para esta magnánime producción de Stanley Kubrick en 1975, y su interpretación divide a los críticos: para algunos, tediosa y fría. Para otros, entre los que me incluyo, emocionante, dolorosa y soberbia. O´Neal protagoniza con muchísimo acierto este drama ambientado en un mundo frío, en el que los sentimientos quedan por debajo de las armas, la riqueza o la posición social. Oh joder, algún día hablaré de porqué esta película es una obra de arte, lo prometo.

1

ANDY KAUFFMAN - Jim Carrey

(Man on the moon-1999)

Para muchos Jim Carrey haciendo de Jim Carrey, para mí la actuación más sincera, dolorosa y realista que he visto. A parte de un guión sensacional muy bien llevado por el difunto Milos Forman, esta película tiene el gran acierto de contar con Jim Carrey para interpretar al excéntrico cómico Andy Kauffman, es decir, un loco haciendo de otro loco. Pero lo que podría haber sido una oportunidad perdida o llevada al ridículo es todam una lección de cómo hasta la comedia más absurda puede convertirse en el mejor drama. Tanto se metió en el papel el Sr. Carrey que en ocasiones creía ser el propio Kauffman (en Netflix hay un documental que lo relata, con el testimonio del propio Jim). Con esta película muchos descubrimos que el humor no es adaptarse al espectador, si no justo lo contrario.

Y con esto termino. Otras muchas actuaciones se me han quedado en el tintero pero algún día las comentaré. Y ahora me voy que ha llegado visita.

Atte: Pibón del Barroco.

TRUE DETECTIVE I: Nada sorprendente en un soberbio drama

"True Detective I" suele encabezar (o forma parte de) las numerosas listas de las mejores series de la historia, lo cuál resulta un prodigio pues hablamos de una miniserie de ocho episodios que compite directamente con obras como "Game of Thrones", "The wire" o "Breaking Bad", obras que ya han trascendido la pantalla. Y digo "True Detective I" porque tengo entendido que sus secuelas dejan bastante que desear. La verdad es que no lo sé, pues si estoy hablando de la miniserie uno es debido a que solo he visto esta (de momento) y aún no he tenido tiempo de empezar sus secuelas, pero no es algo que ahora mismo me quite el sueño. Prefiero centrarme ahora en digerir y procesar lo que he visto en este excelente drama protagonizado por McConaughey y Harrelson, pero, sin embargo, carece de algo extraordinario que a mi parecer la puedan catapultar al olimpo de mis series favoritas.

"True Detective" es una de esas series de las que todo el mundo habló en su momento y habla cada vez que se estrena una nueva temporada. No es para menos, pues aunque a mí no me parezca sobresaliente comprendo los motivos que tienen algunos para tildarla así, y cualquiera que la vea apreciará el trabajo que hay en ella (y podrá darse cuenta de que no es un producto corriente). A propósito, "True Detective" no es un producto corriente: aunque contiene todos los elementos propios del género sabe llevarlos bien, conducirlos de forma eficaz y crear una historia que los explota hasta alcanzar lo brillante. Pero a su vez, carece de sorpresa, chispa o gancho alguno que permitan al espectador hablar de esta serie como algo único, y no nombrarla como otro producto heredero de "Seven (1995)" o "The silence of the lambs (1991)". He ahí mi idea de producto no corriente. Pero antes de meternos en materia, hablemos de que va esta vaina:

"True Detective" cuenta, a enormes rasgos, la historia de dos policía opuestos (recurso ya sobreexplotado) que investigan un asesinato en Louisiana, y tirando tirando dan con crímenes similares hasta desenmascarar una red completa de asesinatos religiosos y con tintes de pedofilia. Parece sorprendente pero realmente no lo es. La trama de un complot de las altas esferas, abusos a niños y ritos satánicos aunque no es lo más habitual en el cine criminal no deja de ser un recurso usado. Aún así, todo eso no es más que el primer vistazo a una serie que habla de algo más: habla del ser humano. De porqué somos como somos, de porqué necesitamos la religión o la familia para no desmoronarnos (o para caer aún más bajo), de la venganza, el reflejo de nuestra vida en lo que acontece a nuestro alrededor... "True Detective" en ese sentido es un portentoso drama con una filosofía muy clara que no será apto para todos. Si bien la investigación se come la mayor parte de la pantalla, la serie se mantiene por esas cuestiones y entablar la ya muy vista relación de policías opuestos en todo su esplendor, llevándola al límite y hablando de lo que nadie se atreve a hablar. En cuánto a eso tenemos un producto excelente. Tal vez se cocine muy lento (los tres primeros episodios son cartas blancas en cuánto a la trama formal de la serie), pero es lo necesario para dotar a sus protagonistas de sentido en este viaje, en el que intentarán descubrirse a sí mismos y entender porque actúan como actúan, tanto fuera como dentro de su trabajo.

Obviamente todo esto se derrumbaría si los protagonistas no estuviesen a la altura de McConaughey y Harrelson, que saben exprimir al 100% a sus personajes y conformar un tándem perfecto. El resto de actores también aportan gran verosimilitud a la serie, pero nada destacable a las actuaciones de los protagonistas. A propósito, la serie carece de un único villano tal cuál, ya que se mueve en toda una red de complots y enemigos, por lo que en ese sentido resulta difícil determinar qué o quién es el verdadero enemigo de nuestros protagonistas (si obviamos el "ellos mismos"). Tal vez, en el asunto criminal, la gracia esté en que sea tan grande, tan difícil de controlar: se enfrentan a un enemigo encubierto por el sistema, algo tan inmenso como aterrador qué, por supuesto, no esclarecen al final.

La cuestión es que (y ahora vienen spoilers) aparte de carecer de gracia o sorpresa, la serie no concluye bien con el crimen iniciado. Se pierde demasiado en nombres, lugares y fechas y resulta casi imposible seguir el ritmo de pistas que los protagonistas inician. Algunos episodios me quedaba en blanco por la acumulación  de datos y preguntas que tenía que, por supuesto, no se cierran al final de la serie. Si bien puede ser una táctica, también puede ser una frustración para el espectador y un signo de que el guión claramente es débil y se pierde continuamente. Al final solo me quedó claro que el malo que quedaba vivo era el hijo de un pariente de una familia importante que hacía ritos esclavistas, o algo así. No sé. No lo entendí bien: ¿acaso no sabían que los de asuntos internos les tendían una trampa?

Así como tampoco entiendo como el personaje de McConaughey le da por reabrir el caso en 2002: ¿por lo que le dice un colgado que se suicida? ¿cómo da con la historia de ese hombre? O me he perdido algo, o está todo metido con pies juntillas o muy subliminal. Tal vez tenga que volver a verla porque de verdad, hay muchos detalles que se me escapan.
Es destacable decir que la historia se narra de forma muy "tarantinesca", ya que no es hasta el penúltimo capítulo cuando se narra linealmente, si no que ambos detectives son entrevistados por otros dos sobre el crimen con el que inician la serie, por lo que si sabemos del pasado es mediante flashbacks de los recuerdos de los protagonistas (tanto los detectives como otros personajes): de por sí el primer capítulo es una sucesión de flashbacks entremezclados, pero esta estructura finaliza ahí, ya que en varios capítulos más se narra solo con flashbacks sin necesidad de mezclarlos. Es un recurso muy inteligente y muy bien jugado, aportando verosimilitud a la serie y dándole muchísima más dignidad al guión.

La serie llega a su final cuando los detectives logran encontrar al hombre que han descrito todas las víctimas de los rituales o personas relacionadas: un monstruo obeso con cicatrices en la cara. En el climax, los detectives llegan a una casucha sureña y le persiguen por una red de túneles y cavidades, y le venzen en un forcejeo en el que resultan notablemente heridos nuestros protagonistas (el malo muere, eso sí). Tras ello, nuestros héroes aparecen en el hospital, dónde parecen reconciliarse entre ellos y con su pasado. Muchos criticaron este final de anticlimático pero en mi opinión logra todo lo que se proponía al inicio: dotar de un final justo (que no feliz, aunque lo sea) a sus protagonistas. Iugal de válido hubiese sido que muriesen ambos en el forcejeo, pero de esta forma por lo menos les vemos en una de las escenas más íntimas de la serie, en la que McConaughey brilla al hablar de lo que creyó ver en el forcejeo.

Finalmente destacar la atrevida dirección (el plano secuencia del episodio cuatro es es-pec-ta-cu-lar), la buena fotografía, a la que acompaña un diseño de producción escalofriante. En el sentido técnico la serie es magistral, y eso la sube un poco la nota: todo crea una atmósfera increíble, axfisiante y macabra. Mención aparte a la banda sonora y los créditos inciales, de lo mejor que he visto nunca.

Pero vayamos concluyendo: "True Detective" no es un mala serie en absoluto. Es muy buena. Lamentablemente creo que se podría haber centrado más y ceder un poco a los espectadores: esclarecer un poco la trama criminal y hacer los primeros capítulos más ligeros (lo más pesado debería ir siempre al final en cuánto a las series). Para mí es una serie notable, que maneja excelentemente el drama pero no tanto el crimen, que se eleva con sus actuaciones principales y su acertada dirección. Tal vez ese sea el problema de sus secuelas: la falta de gracia de sus protagonistas y no tener a Cary Joji Fukunaga dirigiendo. Habrá que verlas para juzgarlas, pero de momento a reflexionar esta.

Atte: Pibón del Barroco.

INDIANA JONES Y EL REINO DE LA CALAVERA DE CRISTAL: Una obra menor de alto entretenimiento

Cuando se habla de Indiana Jones se habla de acción, aventuras, humor, reliquias, fieles compañeros y terribles villanos. Se habla de una de las sagas cinematográficas por excelencia y se habla de tres obras maestras y una menor. Una menor que suele encabezar (es decir, llevarse el último puesto) en todos los "tops" de las películas de Indiana Jones. Hablamos efectivamente de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, la última (hasta ahora) de las aventuras protagonizadas por Harrison Ford enfundado en cuero. Una película que aunque la crítica alabó (Carlos Boyero la puso de obra maestra, sí, el mismo que tilda a "El bueno, el feo y el malo" de celebérrima estupidez) la audiencia puso en el punto de mira y fue a por ella a cuchillo. Pero, ¿acaso merece tanto odio? ¿No debe tener un punto intermedio? La respuesta es no y sí, respectivamente.

Situémonos un poco: habían pasado casi veinte años entre la tercera parte (Esa protagonizada magistralmente por el tándem Ford-Connery) y esta cuarta, por lo cúal el cambio era evidente. Yo siempre pienso que a la hora de continuar una saga que lleva años en la recámara hay que darla cierto giro, para que no caiga en la auto-parodia. Es el caso de la última trilogía de Star Wars, que no aporta nada nuevo. En cambio Indiana Jones 4 (llamemosla así para abreviar) sí que introduce nuevos conceptos, que permitirían desarrollar aún más el personaje, sus filias y fobias y su relación con los demás. Sin embargo no lo hace. ¿Porqué?

Empecemos por lo obvio: el guión. En esta ocasión la trama arqueológica sigue la idea de un reino sudamericano en el que influyeron los extraterrestres. De dos creadores como Lucas y Spielberg, algo obsesionados con los seres de otros planetas, resultaba evidente que algún día darían a ese palo en la saga de Jones. Y realmente la idea es muy buena: se fantasea con la existencia de alienígenas y que pudieron influir en nuestro mundo, en las antiguas civilizaciones. Y al que venga ahora a decirme que eso es absurdo y un sin sentido le pregunto: ¿acaso un arca de oro puede calcinar nazis en cuestión de segundos? ¿una secta con miles de niños esclavizados en la India y nadie lo sabía? ¿el Santo Grial? ¿SALVAR A SEAN CONNERY CON EL SANTO GRIAL? Si todos esos argumentos no son, como mínimo, impensables, este tampoco. La trama se sustenta, es coherente y se sigue bien, a pesar de anacronismos e inexactitudes históricas que ya son un tópico en la saga, inevitablemente. Pero el problema del guión no reside en esto, si no en cómo se conecta con los personajes.

Veamos, anteriormente todas las reliquias que el Dr. Jones buscaba servían como un "McGuffin" para avanzar la trama, para conectar al personaje de Ford con otros personajes y hacerle evolucionar: en el Arca Perdida le vimos reencontrandose un amor de juventud; en el Templo Maldito su lado más humano ayudando a salvar no solo reliquias si no a todo un poblado, y en la última Cruzada retomando sus fobias de juventud y sus problemas familiares. Sin embargo, en esta cuarta parte el problema reside en que la trama arquológica es... demasiado eso. Demasiada trama. Se centran mucho en ello y los conflictos que aparecen durante toda la cinta como la paternidad de Jones o su reencuentro con el personaje de Allen se tocan con pinceladas breves y fugaces, con chistes algo forzados (ahora mismo recuerdo el de la serpiente). Lo que podría ser una ocasión magistral para hacer que el Dr. Jones conectase con su pasado, presente y futuro se desaprovecha centrándose demasiado en la trama de la película, lo que nos lleva a redirigirla como un producto de serie B en lo que se refiere a su historia.

Este problema se acentúa con lo que a mi me parece lo peor de la película: el reparto. Para empezar, Harrison Ford está descuidado, agotado y mayor, lo que impide darle credibilidad a la cinta. Le acompañan Shia LaBeouf en uno de sus peores papeles (si acaso alguna vez tuvo alguno bueno) como niñato repelente y con gomina. Karen Allen muy desaprovechada, con una actuación que bebe demasiado de la originak y cayendo en la autoparodia. Y luego está John Hurt, un actorazo de los pies a la cabeza en un papel que dándoselo a un secundario hubiera brillado más. Pero no hay mayor fallo en el reparto de esta película que Cate Blanchett, posiblemente la villana más esteriotipada y forzada de la saga

Yo siempre creo que los villanos deben parecer lo más normales posibles para infundir el mayor miedo concebible: tanto en la primera como tercera entrega teníamos arqueólogos que se pasaban al lado de los nazis, y en la segunda parte todo un palacio de la India con majarajá incluido formaban parte de un culto pagano. Aquí, el villano que encarna Blanchett cae, como muchas cosas en la película, en la parodia y la burla: ya se presenta con extremada sobreactuación y con atributos rebuscados e indiferentes, como poseer una espada, o mejor dicho, varias. Los soviéticos que la acompañan tampoco resultan tan temibles, pues recuerdan vagamente a los nazis solo que sin inspirar ni la mitad del miedo que estos. Tal vez ahondando más en ellos podrían haberse configurado mejor.

Como último aspecto negativo me gustaría recordar la gran carga de VFX que tiene esta película, que te obliga a cerrar los ojos. La imagen está sumamente retocada, mientras que numerosas escenas son vulgarmente insultadas con un exceso de VFX. Otras son completamente gratuitas, como la de Shia LaBeouf a lo tarzán en la selva o el vehículo supersónico del Área 51. Realmente, con algunos trucos de dobles y una mínima pizca de VFX podría haberse logrado un resultado mucho mejor, de carácter más artesanal y cercano a sus predecesoras, cuando los efectos eran mínimos.

Sin embargo, como he adelantado, la película contiene cosas buenas: a su manera y como producto de serie B funciona muy bien, con escenas que funcionan como pequeñas máquinas de escalofríos y emoción (la escena de las hormigas, la explosión atómica o la huida de los indígenas). Otras secuelas como "Jurassic Park 3" parten de lo mismo: un guión menor pero intensificar las escenas de acción y riesgo. No es malo ni mucho menos pero eso hace que inevitablemente se tienda a comparar y estas últimas resulten perjudicadas frente a las originales.

Con todo, Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal no es una mala película: carece de la gracia que ahondaba en los guiones de sus predecesoras pero si se la toma como un ejercicio menor supone un verdadero entretenimiento palomitero, que ameniza la sesión con pequeños sustos espasmódicos y alguna coletilla graciosa. Es una parte perfecta para obligar a hacer una quinta que traiga un final más digno y complaciente a la saga del mejor aventurero del cine: el señor HijoputaJhon´s Henry "Indiana" Jones Jr.

Atte: Pibón del Barroco

SPOILERS Crítica MdT "Días del futuro pasado" (4x08) y ANÁLISIS FINAL de la TEMPORADA

Es difícil de explicar todo lo que esta serie ha significado para mí, pero facilmente puedo resumirlo en que ha sido de las cosas que más han influido en mi vida. Tal vez sin El Ministerio del Tiempo yo sería alguien muy diferente, para bien o para mal, pero eso no lo sabremos nunca. De lo que si podemos estar seguros es de que el final de esta cuarta temporada significa el final de algo: ya sea de la serie (cosa que dudo) o de una etapa de la misma, algo que me invita a soñar con una nueva temporada, pero cambiando bastantes cosas, como se deja entrever en el último episodio, titulado, acertadamente, "Días de futuro pasado".

El capítulo abre con una revelación: un niño es hallado muerto en las proximidades de el ministerio, y Salvador Martí confiesa a una incrédula inspectora de policia (interpretada con soltura por Marta Milans) el porqué del crimen. Ahora, nos introducimos en un relato iniciado seis meses atrás, tras el rapto de Julián en 2012. Tras dos órdenes de desaparición, una en la actualidad como agente del ministerio y otra en 2012 por orden de su esposa a la que logró salvar del fatal accidente Julián regresa al 2020 para contarles a todos lo que ha ocurrido: fue llevado al año 2070 por orden de la mismísima Lola Mendieta (aquí interpretada por Fiorella Faltoyano, lo que supone un error de continuidad a mi parecer) que se halla sorprendentemente mayor para haberse tomado el fluido garcía y llegado al 2065 y esperar cinco años. En el futuro ella le explica a Julián que conoció a un hombre, Juan Salcedo, que se apoderó del anacronópete y creó una sociedad totalitarista (lo de fascista no me parece acertado) en la que se vive del pasado, robando alimentos, agua o niños de otras épocas, pero también se viaja al futuro, para adelantarse a los acontecimientos venideros tales como revueltas o guerras. Esta sociedad incluye también numerosos y agradables guiños a productos actuale (Cuéntame, Saber y Ganar, Terminator, Bertín Osborne...). En resumen, este futuro distópico supone una verdadera delicia para los espectadores, perfectamente elaborado e hilado: pero, ¿no se podía viajar más allá del año actual, no? En principio no, pero esta duda es solventada con el anacronópete: en un mundo con máquinas que te dejan en el lugar y momento exacto, las puertas son inútiles, y aunque siguen existiendo, se destinan a tareas menores. Así, tras esta revelación, el Ministerio del Tiempo actual se pone en marcha para encontrar al más lejano antepasado posible de Juan Salcedo que, si no lo recordaís, fue el amigo pelirrojo Dani Pérez Prada que apareció como el falso gestor en el episodio seis. A propósito, en el relato del futuro dan una teoría que me ha gustado bastante: ese futuro es producto de todos los pequeños cambios que han tenido que hacer en la historia para que, paradojicamente, esta no cambie. Una buena visión de nuestro tiempo...

Ahora, en una secuencia del más puro cine de ciencia ficción, los intocables de Salvador Martí (ahora se entenderá) viajan a 1890 para raptar a un antepasado de Juan Salcedo. Tras un tiroteo con las "amables monjas" que custodiaban al bebé (y tras protagonizar un buen homenaje a "Los intocables de Elliot Ness" que a su vez homenajeó al "Acorazado Potempkin") los agentes vuelven ilesos al 2020, con el bebé en sus manos, que se lo ceden a Salvador. Ahora llega una de las escenas más intensas de la serie, resuelta de forma magistral: hiela la sangre ver a un Jaime Blanch atormentado por el crimen que ha de cometer, intentando sobrellevarlo con alcohol y bajo el terrible llanto de la criatura. Con unos planos que podría haber rodado perfectamente Terry Gilliam, Salvador se pone a ello... Por suerte, el crimen es detenido por la inspectora de policía, que llega del futuro para evitar la muerte de la criatura, con la ayuda del mismo Ernesto.

Aunque el crimen es evitado aún quedan cuentas pendientes. Para enterarnos de ellas retomamos al noviembre de 2020, cuando inicia la historia. Ahora no hay bebé muerto, pero si un Salvador cansado, dimitiendo de la entidad y cediéndole el puesto merecidamente a Ernesto (en este blog somos pro-Ernesto y cuenta fan número 1 a Juan Gea). Así mismo, deja una carta, agradeciendo y recordando a todos los personajes por su entrega y sacrificio, así nos enteramos del destino de todos: Irene ha abierto un departamento para la memoria de mujeres olvidadas en el ministerio, Angustias tal vez gane la lotería (¡la pensión la da para muy poco!), Alonso y su familia se marchan a La Haya, dóne Elena ha encontrado trabajo; Carolina a aceptado el bebé antepasado de Salcedo (cambiando así la historia, claro) para cuidarlo, y finalmente, Julián ha logrado salvar a Maite, traerla al presente y ambos esperan un hijo. Por fin Julián, por fin. Pero lo más importante: Pacino. 

En uno de los momentos más emocionantes de la temporada (y de la serie) vemos a un hombre de espaldas, armando un artilugio dentro de un maletín. A continuación, aparece un coche en un campo de cultivo: un anacronópete se para ante él y baja Lola. Y el hombre del coche era, nada más y nada menos que un Pacino envejecido, en 2065, que por fin, tras 45 años puede reencontrarse con Lola. El porqué se encuentran allí o porqué Lola con el anacronópete no viaja al 2020 y rejuvenece no importa (a ver, importa pero mejor no pensar en ello), lo importante es que Pacino coloca una bomba en la máquina y ambos se marchan para vivir juntos todo lo que puedan. A lo lejos la máquina explota y un fragmento de esta se choca con la cámara, dando pie a los crédito (que por alguna razón TVE cortó antes de tiempo). Así concluye la temporada. Una temporada que cierra con un futuro feliz para todos sus protagonistas, pero cosiendo por completo las heridas de estos, lo que nos da a entender un final: ¿de la serie? No lo parece, tras los buenos datos de la temporada, ¿de una etapa? Eso probablemente. Veo una nueva temporada sin muchos personajes, como Salvador, Alonso o Lola, pero brindandonos algunos que no han tenido demasiado desarrollo en esta, como Carolina, una delicia de personaje que ha contado con las apariciones exactas para dejarnos con la miel en los labios.

En conclusión: esta temporada cuatro cierra, cierra algo que en un futuro sabremos. Ha sido una temporada bastante redonda, con un desarrollo muy intenso de los personajes, y un buen equilibrio entre ellos y la historia: nos reencontramos con viejos personajes que no tuvieron tanta relevancia en la temporada 3, como Amelia o Velázquez, pero además personajes históricos como Lorca, Franco, Picasso o Felipe II, que marcaron la serie, vuelven a aparecer. También nuevas historias, que unen pasado y presente, ya sea de carácter emocional como el sensacional episodio de Emilio Herrera o el desternillante reallity de Fernando VII. Ha gozado de ciencia ficción de la  mejor y más pura, así como de comedia y acción. Una temporada muy equilibrada en todos los sentidos, y que cierra de una manera sensible y bien intencionada. Tal vez, en mi opinión, la reste nota las paradojas y las incógnitas del último capítulo, pero joder, lo admito, lloré con la escena final. Y pocos productos audiovisuales me han hecho llorar. De hecho mis ojos se humedecen recordando la escena (tal vez porque tengo de fondo a Andy Williams cantando el tema de Love Story) y el sabor agridulce que me ha dejado lo recordaré como uno de los puntos altos de la serie. Con todo, no quisiera extenderme más, y cómo tampoco quiero acabar de forma melodramática, adjunto mi Top 8 de los episodios de la temporada, aunque vamos, todos podrían ser el número 1:

1

4x03: BLOODY MARY HOUR

2

4x05: DESHACIENDO EL TIEMPO

3

4x07: PRETÉRITO IMPERFECTO

4

4x6: EL TIEMPO VUELTA

5

4x08: DÍAS DEL FUTURO PASADO

6

4x01: PERDIDO EN EL TIEMPO

7

4x02: EL LABERINTO DEL TIEMPO

8

4x04: LA MEMORIA DEL TIEMPO 

Ha merecido la pena.

Atte: Pibón del Barroco

INSOMNIO: La mejor película de Christopher Nolan

Tal vez me precipite demasiado al distinguir este thriller de 2002 como la mejor película de Christopher Nolan, dado que me faltan por visualizar la trilogía de Batman, "Memento" y por supuesto, "Tenet". Sin embargo, del resto de películas de su autoría que he visto, "Insomnia" (o "Insomnio", castellanizado) es la que más me convence, y contemplo en ella una pequeña joya muy alejada de los cánones de su director. Tal vez por eso me guste. Porque lo cierto es que a mi me sucede con Nolan lo que a muchos les sucede con Tarantino o Kubrick: no lo pillo por ningún lado. Cederé un poco diciendo que no me parece mal director, al contrario, en ese campo es un maestro indiscutible, un genio de lo visual actualmente, sin embargo, sus películas nunca me llenan. Se quedan a medio camino del entretenimiento y el aburrimiento, y no logro conectar con ellas.

Cuando veo una película de Nolan veo películas efectistas: escenas de acción impecables que se cruzan con tediosos melodramas generalmente protagonizados por un hombre solitario, muchas veces viudo ("Inception", "The prestigie", "Memento", "Interstellar", en serio Nolan, ¿que te pasa?) que arrastra problemas y confrontaciones del pasado y debe sobrevivir con esos fantasmas a una aventura insólita, apoyada siempre en un guión tan original como rebuscado, complicado y carente de gancho. Su estructura es muy repetitiva y por ende, una vez la he visto en una película no puedo tomarme en serio el resto de su filmografía. Me gustó mucho "Interstellar", pero el resto no. Y temo que de haber visto antes "Inception" no me hubiese gustado luego "Interstellar". Reconozco eso sí, que le va mucho mejor con el montaje que con el guión para dar giros en la película y sorprender al espectador, como ocurre en "The prestigie", pero claro, eso es mérito de Lee Smith. Sin embargo, entre toda su filmografía si hay una película que me gusta bastante y que curiosamente suelen tildar cómo su obra menor. Es como lo que a muchos le pasan con "Jackie Brown" de Tarantino, solo que "Insomnia" sí es buena.

Y es que "Insomnia" se aleja de los railes de su director para ofrecernos una historia abrumadora, inquietante y tortuosa, todo bajo una atmósfera terrorífica y en la que el director juega con el tiempo en primera persona, sin necesidad de maquinaria astrofísica o presupuestos estratosféricos. Una película que según entra, parece un thriller de domingo tarde en Antena 3, pero con el pasar de las escenas se eleva a una notable mezcla de Seven y Fargo.

 

Cómo he dicho antes, una de las cosas que más me gusta de esta película es como juega con el tiempo, pero antes, situémonos: en "Insomnia" se nos presenta un remake de una película nórdica de algunos años antes, en la que un policía (aquí enfrentado por Al Pacino) debe hallar al culpable del asesinato de una joven en una localidad dónde nunca se pone el sol. Y eso es un punto interesante, porque de esta manera el ambiente alcanza cotas de magistralidad: las consecuencias de este hecho no son meramente ambientales, es decir, la película aparte de ofrecernos un entorno terrorífico, que difiere a las películas usuales de crímenes en las que las escenas más terroríficas se suceden de noche aquí tenemos una película completamente iluminada, a la sombra del día. Este hecho es lo que provoca al protagonista un terrible insomnio que le impide aclarar su mente, su conciencia. Y es que, cómo era de esperar, en esta película Nolan también sitúa al personaje al borde con sus problemas personales que le hacen tiritar en su mundo profesional. Sin embargo, aquí resulta mucho más interesante, pues el problema aparece al inicio de la película y el protagonista ha de enfrentarse a este durante todo el metraje de la misma. Es decir: estamos acompañando al protagonista en una carrera a contrareloj, de la que sabemos como ha iniciado y también sospechamos como va a acabar pero en cualquier momento puede venirse a bajo. Obviamente el trabajo de Nolan con la cámara y la fotografía es esencial, pero el plato fuerte viene de un Al Pacino extenuante, agotado, que transmite más de lo que cualquier otro actor podría transmitir en ese mismo papel. El trabajo que hace en "Insomnia" lleva al espectador a cogerle de la mano y acompañarle en la caza del temible asesino: Robin Williams. Este también traza un papel magistral, que borda lo terrorífico en un papel aparentemente afable: aquí se emplea la de Seven: ¿acaso el fin justifica los medios? ¿Conviene llevar a la cárcel a un momentáneo inocente que en un futuro se tornará un psicópta, y liberar al asesino que siempre mostró una personalidad apacible? Williams es el engranaje para que una buena película sobre un asesino se convierta en un ejercicio filosófico, de aparente respuesta simple, pero que corre el peligro de caer en un debate intenso y maquiavélico. Sobra decir que Williams era un actor genial, y que verlo al lado de Al Pacino es uno de los gustos cinematográficos más soberbios de la historia del séptimo arte. La pareja es respaldada por Hillary Swank en un papel normalito, que no aporta demasiado pero tampoco la excede metraje como para desacreditar el film. También rodean al trío una serie de personajes secundarios esteriotípicos, pero que en la atmósfera deprimente y helada de Nolan cobran sentido y gracia. 

Respecto al tiempo, llevo refiriendome a ello en todo el párrafo anterior: el tiempo es en primera persona, puesto vemos los hechos como suceden acompañando al protagonista, sin embargo, es tratado con magistralidad haciéndonos parecer una película de hora y media una santada de tres o más horas: el tiempo pasa muy lento, como los días (para el personaje de Al Pacino parece que no llega el momento de descansar, y aquí se demuestra a la perfección lo que quiero decir), que es todavía más ralentizado por los temas musicales y las escenas en silencio. Nolan es un director que presta mucha atención al sonido, y aquí más que nunca: evita los ruidos innecesarios, para lograr un ambiente hostil, muerto y axfisiante. Se me ocurre a priori la escena en la que Al Pacino entra en la casa del asesino y este le espera afuera, de perfil, respirando lenta y tensamente a que su enemigo de algún paso en falso, y viceversa.

El tiempo en Nolan también representa los problemas personales: la falta de tiempo o el exceso de este, como se ralentiza con las tragedias y se apresura con los goces, etcétera. Aquí el tiempo no es una mujer o una familia: aquí es vida. La película traza un mensaje sobre la vida y la juventud, sobre como si esta cae en malas manos se desvanece. Son los adultos los que deben preparar a la juventud para el futuro, creando de antemano un mundo mejor, sirviendo de inspiración (como lo es Al Pacino para Hillary Swank) y librando el mundo de todos los peligros posibles. Además, la juventud es todavía más efímera que la vida, y eso ha de tratarse con cuidado.

Concluyendo: Insomnio es una película magistral, que juega con el tiempo de manera diferente y mucho más cuidada al resto de películas de Nolan, aportándonos un relato lento, tal vez tedioso por momentos, pero necesario, con un manejo del suspense que viene precedido por el silencio y la soledad que transmite la atmósfera de la película. La cinta alcanza la gloria con las interpretaciones de los protagonistas, y resulta un relato cruel y duro de la lucha entre la vida y el trabajo, así cómo de los peligros que acechan en el futuro. En este film, Nolan emplea la más absoluta sencillez para entregarnos un trabajo único, llano e impecable de un Nolan que tristemente se iría por las ramas en el futuro.

Atte: Pibón del Barroco